Διάσημα φορέματα στη ζωγραφική, με τα οποία μπορεί κανείς να κρίνει ποια ήταν η μόδα της εποχής

2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02

Από αμνημονεύτων χρόνων, η τέχνη και η μόδα επηρέασαν η μία την άλλη, αναγκάζοντας κριτικούς και fashionistas να ακολουθούν στενά τις νέες τάσεις που αντικαθιστούν βιαστικά ο ένας τον άλλον. Και ενώ μερικοί αξιολογούσαν την εικόνα ως προς τα τεχνικά χαρακτηριστικά, άλλοι έτρεξαν στους ράφτες για να πάρουν σύντομα ένα φόρεμα ακριβώς όπως αυτό των ηρωίδων που απεικονίζονται στους καμβάδες.

1. Αναγέννηση

Η Αναγέννηση ήταν μια εποχή πολιτιστικής και καλλιτεχνικής αναβίωσης καθώς ο Κλασικισμός έκανε μια επαναστατική επιστροφή στις ευρωπαϊκές κοινωνίες. Ωστόσο, αυτή η περίοδος είδε επίσης σημαντικές αλλαγές στη μόδα. Δείτε πώς τα διάσημα φορέματα σε πίνακες επηρέασαν τη μόδα κατά την Αναγέννηση.

Το «Πορτρέτο του ζευγαριού Arnolfini» του Jan van Eyck είναι ένα από τα βασικά στοιχεία της μελέτης του υφάσματος στη ζωγραφική πορτρέτου. Το σμαραγδένιο πράσινο μάλλινο ένδυμα και τα μανίκια με επένδυση από ερμίνα δείχνουν την οικογενειακή κατάσταση, καθώς μόνο οι πλούσιοι μπορούσαν να αντέξουν οικονομικά αυτό το ύφασμα. Το μαλλί, το μετάξι, το βελούδο και η γούνα ήταν σπάνια και πιο ακριβά στην παραγωγή από το βαμβάκι ή το λινό και ήταν σύμβολο της ιδιότητας και του πλούτου. Ένα από τα πιο αμφιλεγόμενα ερωτήματα γύρω από τον πίνακα είναι αν η γυναίκα που απεικονίζεται (πιθανόν η γυναίκα του Αρνολφίνι) είναι έγκυος. Οι φούστες της Αναγέννησης ήταν τόσο πλούσιες και βαριές που οι γυναίκες τις σήκωσαν για να διευκολύνουν τις μετακινήσεις.

Οι πρόσθετες καμπύλες πτυχώσεις του φορέματος δείχνουν επίσης μια τάση προς απεικόνιση γυναικών με έντονη κοιλιά, καθώς άφηνε να εννοηθεί η σύλληψη παιδιών κατά τη διάρκεια του γάμου. Ένα άλλο παράδειγμα αυτού είναι το Les Très Riches Heures du Duc de Berry από τους αδελφούς Λίμπουργκ. Και στις δύο εικόνες, οι γυναίκες απεικονίζονται με πιο στρογγυλεμένες κοιλιές. Το Υπέροχο Βιβλίο Ωρών του Δούκα του Μπέρι απεικονίζει έναν γάμο και είναι συγκρίσιμο με το πορτρέτο του Αρνολφίνι, αφού και οι δύο γυναίκες προβάλλουν μια εικόνα μητρότητας ενόψει της εγκυμοσύνης. Χωρίς να κοιτάζουμε τον πίνακα από μια σύγχρονη οπτική γωνία, μπορούμε να τον δούμε ως μια καταγραφή του τι φορούσαν οι γυναίκες και τι ήταν σημαντικό για τους ανθρώπους να δείξουν στους άλλους.

2. Η περίοδος του μπαρόκ και του ροκοκό

Η περίοδος του μπαρόκ και του ροκοκό χαρακτηρίζεται από εξαιρετική διακόσμηση, παρακμή και παιχνιδιάρικο παιχνίδι. Αυτές οι τάσεις εκδηλώθηκαν όχι μόνο στην τέχνη, αλλά και στη μόδα μέσα από περίτεχνα στολίδια και πολυτελή φορέματα. Ρίξτε μια ματιά σε μερικά από τα διάσημα φορέματα εμπνευσμένα από την τέχνη.

Η προσοχή ενός άγνωστου καλλιτέχνη στη λεπτομέρεια και το ντύσιμο είναι αυτό που κάνει την Elizabeth Clark Frick (κυρία John Frick) και τη Little Mary έναν σημαντικό δίσκο των New England Puritans. Σε αυτή την εμφάνιση, η Ελισάβετ φοράει εκλεκτά αμερικανικά υφάσματα και αξεσουάρ από το 1600. Το λευκό κολάρο της από δαντέλα υποδηλώνει τη δημοφιλή ευρωπαϊκή δαντέλα που βρίσκεται μεταξύ των αριστοκρατικών γυναικών. Ένα χρυσοκέντητο βελούδινο μεσοφόρι φαίνεται από κάτω από το φόρεμά της και κορδέλες στολίζουν τα μανίκια. Επίσης, μια γυναίκα έχει κοσμήματα: κολιέ με μαργαριτάρια, χρυσό δαχτυλίδι και βραχιόλι από γρανάτη, το οποίο με τη σειρά του μιλά για κατάσταση και ευημερία. Αυτός ο πίνακας προσφέρει μια μοναδική προοπτική για την πουριτανική ζωή της Ελισάβετ και της οικογένειάς της.

Αξίζει επίσης να σημειωθεί το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης κατάφερε αριστοτεχνικά να αναμίξει εικόνες πλούτου σε ένα λιτό περιβάλλον. Ο πίνακας αναδεικνύει καθαρά τον πλούτο της Ελισάβετ, αναδεικνύοντας τα καλύτερα ρούχα και κοσμήματά της. Αντικατοπτρίζει επίσης τον πλούτο του συζύγου της, Τζον Φρικ, ο οποίος θα μπορούσε να αντέξει οικονομικά να εκπληρώσει κάθε ιδιοτροπία της γυναίκας του αγοράζοντας της διάφορα είδη ρούχων και κοσμημάτων. Επιπλέον, η εικόνα συμβολίζει την πουριτανική στάση ευγνωμοσύνης τους προς τον Θεό, γιατί χωρίς την ευλογία Του δεν θα μπορούσαν να είχαν τέτοια πολυτέλεια.

Το Swing του Jean-Honore Fragonard είναι ένα παράδειγμα του στυλ ροκοκό στους γαλλικούς αριστοκρατικούς κύκλους. Ο πίνακας παραγγέλθηκε ιδιωτικά όταν ένας Γάλλος αυλικός ζήτησε από τον καλλιτέχνη να ζωγραφίσει το δικό του πορτρέτο και της ερωμένης του. Παρά το γεγονός ότι ο πίνακας κρατήθηκε κεκλεισμένων των θυρών, αποκαλύπτει την πολυτέλεια, την επιπολαιότητα και τη μυστική φύση της γαλλικής βασιλικής αυλής.

Το παστέλ ροζ φόρεμα ξεχωρίζει ανάμεσα στον καταπράσινο κήπο και είναι το επίκεντρο της προσοχής. Η Ζαν ζωγράφισε το φόρεμα με χαλαρές πινελιές που μιμούνται τις φαρδιές φούστες και το μπούστο του φουστάνι της. Το χαλαρό πινέλο του ταιριάζει με την πλοκή αυτής της ειδυλλιακής σκηνής του κήπου γεμάτη με φλερτ και ιδιότροπες εικόνες.

Η ζωγραφική του προβάλλει επίσης τις τάσεις που έχουν τεθεί στο γαλλικό δικαστήριο για τη μόδα. Το ροκοκό ξεπέρασε τη μόδα, την τέχνη και την αρχιτεκτονική για να δημιουργήσει κάτι μοναδικά γαλλικό. Η μόδα ροκοκό περιλάμβανε τα πιο πολυτελή υφάσματα, όπως μεταξωτά παστέλ χρώματα, βελούδο, δαντέλα και μοτίβα λουλουδιών, καθώς και υπερβολική ποσότητα τόξων, πολύτιμων λίθων, διακοσμητικών διακοσμητικών και διακοσμητικών διακοσμητικών για να δημιουργήσουν μια εμφάνιση που θα γίνονταν αυλικοί και καλεσμένοι. έχουν τα κεφάλια τους. Το στυλ καθόρισε τη διαφορά μεταξύ φτωχών και πλουσίων, καθώς η αριστοκρατία μπορούσε να αντέξει την πολυτέλεια των εξαιρετικών υφασμάτων και στολιδιών. Για τις γυναίκες που φορούν αυτά τα ρούχα εμπνευσμένα από ροκόκο, ο πίνακας είναι η επιτομή της γαλλικής βασιλικής αυλής πριν από την επανάσταση.

3. Διάσημα φορέματα στους πίνακες του XIX αιώνα

Ο 19ος αιώνας είδε μια καλλιτεχνική στροφή από τον νεοκλασικισμό στον πρώιμο μοντερνισμό, δίνοντας τη θέση του σε στυλ και σχολές σκέψης. Αυτός ο αιώνας είδε επίσης μια αλλαγή στη μόδα. Διαβάστε παρακάτω για να δείτε πώς οι πίνακες επηρέασαν την εμφάνιση διάσημων φορεμάτων και στυλ που ήταν αισθητά πιο μοντέρνα από πριν.

Η Τέχνη για την Τέχνη συνδέθηκε με τη Συμφωνία στο Λευκό Νο. 1 από τον James Abbott McNeill Whistler, ο οποίος σκόπευε να δώσει στον πίνακα ένα πνευματικό νόημα. Οι κριτικοί, ωστόσο, δεν τα είδαν όλα αυτά, αφού ο πίνακας απεικόνιζε την ερωμένη του καλλιτέχνη, ντυμένη με ένα ελαφρύ λευκό φόρεμα. Ως αποτέλεσμα, αυτό το πορτρέτο έγινε σκανδαλώδες. Κατά τη δεκαετία του 1800, τα γυναικεία ρούχα συχνά περιλάμβαναν ένα μεσοφόρι από χαλύβδινο χιόνι. Οι γυναίκες φορούσαν επίσης κορσέδες ανάμεσα σε μια ποικιλία άλλων ειδών εσωρούχων για να μπορέσουν να δημιουργήσουν πιο φαρδιές φούστες.

"Η γυναίκα με τα λευκά" είναι το εντελώς αντίθετο από αυτό που ήταν μοντέρνο και υψηλού επιπέδου εκείνη την εποχή. Το φόρεμα του κύριου χαρακτήρα που απεικονίζεται στην εικόνα ήταν ένα είδος εσώρουχου που μπορούσε να δει είτε ένας σύζυγος είτε ένας εραστής, καθώς πιστεύεται ότι τέτοια ρούχα ήταν πολύ εύκολο να απογειωθούν. Για τον Γουίστλερ, η μούσα του έπρεπε να είναι μέρος μιας σκηνής που ήταν ευχάριστη στο μάτι. Απεικόνισε τον Hiffernan όπως την είδε, και για τους θεατές εκείνη τη στιγμή, η εικόνα ήταν τόσο μπερδεμένη όσο και λίγο απρεπής. Ωστόσο, με την έλευση του 1900, ένα τέτοιο φόρεμα έγινε ο κανόνας για την καθημερινή χρήση.

Ο James Tissot δημιούργησε πολλούς πίνακες που απεικονίζουν τη γυναικεία μόδα στα τέλη του 1800. Wasταν μπροστά από την ευρωπαϊκή μόδα και είναι πολύ γνωστός για τη ζωγραφική των θεμάτων του έχοντας κατά νου τις τελευταίες τάσεις της μόδας. Η γυναικεία μόδα άρχισε να αλλάζει μεταξύ των νεαρών κυριών στο Παρίσι και το Λονδίνο στα τέλη του 1800. Οι φαρδιές και βαριές φούστες των βικτοριανών προκατόχων τους αντικαταστάθηκαν από πιο στενές με φουσκωτές πιέτες στο πίσω μέρος.

Στον πίνακα "Miss Lloyd", η ηρωίδα είναι ντυμένη με ένα φόρεμα όπως φοριόταν στην κοινωνία εκείνη την εποχή, δίνοντας έμφαση στη στενή μέση και τη φιγούρα της κλεψύδρας. Το «Πορτρέτο της Κάθλιν Νεύτων» (τότε σύντροφός του) είναι το εντελώς αντίθετο της εικόνας της δεσποινίς Λόιντ. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε μια γυναίκα με φόρεμα σαν να ακτινοβολεί ατονία και αποπλάνηση. Ωστόσο, και οι δύο γυναίκες έχουν τη δική τους ιδιαίτερη γοητεία και μυστήριο γύρω τους. Το ίδιο το φόρεμα συμβολίζει τις διαφορές στη δημοφιλή κουλτούρα εκείνη την εποχή. Η μία εικόνα είναι παραδοσιακή και συμβατική, ενώ η άλλη είναι ειλικρινά οικεία και σκανδαλώδης για τους θεατές το 1800.

Ο John Singer Sargent δημιούργησε την εικόνα μιας γυναίκας, η οποία, αν και απαράδεκτη για την εποχή του, έγινε ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους και σεβαστούς πίνακές του. Πρόκειται για ένα πορτρέτο της Madame Virginie Gautreau, μιας Αμερικανίδας καλλονή ανακατεμένης με τη γαλλική υψηλή κοινωνία. Αυτό προκάλεσε ένα τέτοιο σκάνδαλο που ο ίδιος ο Τζον αναγκάστηκε να φύγει από το Παρίσι για το Λονδίνο.

Ο κορσές της είναι εξαιρετικά μυτερός προς την κάτω κοιλιακή χώρα. Ένας αιχμηρός, βαθύς λαιμός V και χάντρες ιμάντες ώμου μόλις καλύπτουν τους ώμους και εκθέτουν αυτό που θεωρούνταν οικεία μέρη μιας γυναίκας, ακατάλληλα για δημόσια προβολή. Αφού ο Sargent παρουσίασε τον πίνακα στο Salon του Παρισιού το 1884, προκάλεσε οργή κριτικών και θεατών, επειδή δεν είναι σωστό μια παντρεμένη γυναίκα της ανώτερης τάξης να είναι σε τέτοια προκλητική μορφή. Φάνηκε στο κοινό στο Σαλόνι ότι η ηρωίδα της εικόνας φορούσε εσώρουχα και όχι φόρεμα. Και η φήμη του Gautreau στα μάτια των ανθρώπων άρχισε να μηδενίζεται, επειδή πολλοί την θεωρούσαν άσεμνο άτομο. Τελικά η Sargent αφαίρεσε το όνομά της από το πορτρέτο, μετονομάζοντάς το σε "Madame X".

4. Διάσημα φορέματα στους πίνακες του εικοστού αιώνα

Η τέχνη τον εικοστό αιώνα επικεντρώθηκε στην αφαίρεση και την έκφραση, υποβάλλοντας σε σημαντικές αλλαγές με νέα στυλ και θέματα. Οδήγησε επίσης στην εξερεύνηση νέων μορφών και συνθέσεων μόδας και τέχνης. Εδώ φαίνονται τα διάσημα φορέματα που εμφανίζονται σε πίνακες ζωγραφικής κατά τον εικοστό αιώνα.

Το χρυσό φόρεμα της Adele Bloch-Bauer ξεχωρίζει από τα υπόλοιπα ρούχα της εποχής της. Αντί να απεικονίζει μια γυναίκα ανώτερης τάξης που χαλαρώνει σε έναν κήπο ή διαβάζει σε έναν καναπέ, η Κλιμτ μετατρέπει την Άντελ σε μια απόκοσμη φιγούρα. Το φόρεμά της είναι μια στροβιλισμένη φιγούρα γεμάτη τρίγωνα, μάτια, ορθογώνια και εικονογραφία. Δεν υπάρχουν σημάδια από κορσέδες ή στρώματα ρούχων. Το μοντέρνο περιέχει θέματα της φύσης και μυθικές εικόνες. Αυτό ισχύει επίσης για τη μποέμ μόδα, την οποία ο ίδιος ο Γκούσταβ φορούσε και χρησιμοποιούσε σε διάφορους άλλους πίνακες.

Συχνά ζωγράφιζε σχέδια που δημιούργησε η σχεδιάστρια μόδας Emily Flege. Δεν είναι τόσο γνωστή στον κόσμο της μόδας όσο οι σύγχρονές της ή οι προκάτοχοί της, αλλά τα πήγε καλά στη δημιουργία μόδας για τις γυναίκες της εποχής της. Κατά καιρούς ήταν μια συνεργασία, καθώς ο Γκούσταβ χρησιμοποιούσε τα διάσημα φορέματά της σε πολλούς άλλους πίνακές του.

Η Tamara Lempicka δημιούργησε πορτρέτα που διερεύνησαν τη θηλυκότητα και την ανεξαρτησία στη δεκαετία του 1920. Η καλλιτέχνης Art Deco έγινε γνωστή για τα πορτρέτα διασημοτήτων της που εξερεύνησαν τη στυλιζαρισμένη και στιλβωμένη μορφή Κυβισμού που έγινε το σήμα κατατεθέν της. Η Ira Perrault (στενή φίλη και πιθανώς ερωμένη του Lempicki) θεωρείται ως κυριολεκτική εκδήλωση της μουσικής στο La Musicienne. Αυτό που κάνει την εικόνα να ξεχωρίζει είναι η απεικόνιση ενός μπλε φορέματος. Η σκληρή τεχνική ρίψης σκιάς της Ταμάρα με την πλούσια παλέτα χρωμάτων της δίνει κίνηση στο φόρεμα, έτσι φαίνεται να αιωρείται στον αέρα. Το κοντό στρίφωμα του φορέματος και οι ρέουσες πιέτες θυμίζουν ακόμα τη μόδα της δεκαετίας του 1920 που ήταν μια καμπή στη γυναικεία μόδα. Οι γυναίκες φορούσαν φορέματα που εξέθεταν τα πόδια και τα χέρια τους και πλισέ φούστες που διευκόλυναν τον χορό.

Η Ταμάρα εμπνεύστηκε και μελετήθηκε από δασκάλους της Αναγέννησης και χρησιμοποίησε παρόμοια θέματα με σύγχρονη προσέγγιση. Παραδοσιακά, το μπλε φαίνεται στα φορέματα της Παναγίας σε μεσαιωνικούς ή αναγεννησιακούς πίνακες. Το μπλε Ultramarine ήταν σπάνιο και χρησιμοποιήθηκε για σημαντικούς πίνακες.

Πολύχρωμα και χειροποίητα μεξικάνικα υφάσματα υφαίνονται στο έργο της Frida Kahlo. Αγκάλιασε αυτά τα ρούχα ως μέρος της κληρονομιάς της και τα φόρεσε σε πολλές αυτοπροσωπογραφίες και φωτογραφίες. Τα διάσημα φορέματα που εμφανίζονται στο The Two Fridas συμβολίζουν τους δεσμούς της και στις δύο πλευρές της ευρωπαϊκής και μεξικανικής κληρονομιάς της.

Η Φρίντα στα αριστερά αντικατοπτρίζει την ανατροφή της σε μια οικογένεια της ανώτερης μεσαίας τάξης. Ο πατέρας της κατάγονταν από τη Γερμανία και η οικιακή ζωή ως παιδί περιείχε δυτικά έθιμα. Η λευκή δαντέλα του φορέματος συμβολίζει το στυλ που είναι δημοφιλές στην ευρωπαϊκή μόδα. Αυτή η δυτικοποιημένη εκδοχή έρχεται σε αντίθεση με την επιθυμία της δεξιάς Frida να αγκαλιάσει τη μεξικάνικη κληρονομιά της φορώντας ένα παραδοσιακό φόρεμα. Αυτά τα ρούχα είναι κάτι που ενθάρρυνε ο σύζυγός της Ντιέγκο Ριβέρα, ειδικά στον αγώνα τους να αλλάξουν χώρα. Το φόρεμα έδειξε την υπερηφάνειά της που φορούσε τοπικά και παραδοσιακά ρούχα από το Μεξικό.

Τα ρούχα της Κάλο είναι μια σημαντική πτυχή της ζωής και της δουλειάς της. Αφού κόλλησε πολιομυελίτιδα ως παιδί και το ένα πόδι έγινε πιο κοντό από το άλλο, οι πολύχρωμες φούστες έγιναν ένας τρόπος για να κρύψει το πόδι της με τέτοιο τρόπο ώστε να την προστατεύσει από τον έλεγχο. Η γκαρνταρόμπα του καλλιτέχνη περιελάμβανε φορέματα tehuana, μπλούζες huipil, rebozo, λουλουδάτα κομμωτήρια και κοσμήματα αντίκες. Αυτά τα ρούχα για την Κάλο είναι μια απεικόνιση της αγάπης, του πόνου και της ταλαιπωρίας της, τα οποία συμπεριέλαβε στη δουλειά της.

Σχετικά με, πώς άλλαξε το κιμονό στους αιώνες και τι ρόλο έχει παίξει στην τέχνη και τη σύγχρονη μόδα, διαβάστε το επόμενο άρθρο.