Πίνακας περιεχομένων:

Πώς οι πίνακες από διάσημους καλλιτέχνες έγιναν μέρος της μόδας, διαμορφώνοντας ένα νέο στυλ του εικοστού αιώνα
Πώς οι πίνακες από διάσημους καλλιτέχνες έγιναν μέρος της μόδας, διαμορφώνοντας ένα νέο στυλ του εικοστού αιώνα

Βίντεο: Πώς οι πίνακες από διάσημους καλλιτέχνες έγιναν μέρος της μόδας, διαμορφώνοντας ένα νέο στυλ του εικοστού αιώνα

Βίντεο: Πώς οι πίνακες από διάσημους καλλιτέχνες έγιναν μέρος της μόδας, διαμορφώνοντας ένα νέο στυλ του εικοστού αιώνα
Βίντεο: GREECE'S NEXT TOP MODEL - 12.11.2019 - Επεισόδιο 20 #GNTMgr - YouTube 2024, Μάρτιος
Anonim
Image
Image

Οι δεσμοί μεταξύ τέχνης και μόδας καθορίζουν συγκεκριμένες στιγμές στην ιστορία. Και τα δύο αυτά μέσα αντανακλούν κοινωνικές, οικονομικές και πολιτικές αλλαγές από τη δεκαετία του '20 που φώναζε μέχρι τη ζωντανή δεκαετία του '80. Ακολουθούν τέσσερα παραδείγματα καλλιτεχνών και σχεδιαστών μόδας που με τη δουλειά τους βοήθησαν στη διαμόρφωση μιας νέας προοπτικής για την τέχνη και τη μόδα του 20ού αιώνα.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Τέσσερα πορτρέτα του Χάλστον, Άντι Γουόρχολ. / Φωτογραφία: google.com
Τέσσερα πορτρέτα του Χάλστον, Άντι Γουόρχολ. / Φωτογραφία: google.com

Η φιλία μεταξύ του Roy Halston και του Andy Warhol καθόρισε τον καλλιτεχνικό κόσμο. Τόσο ο Roy όσο και ο Andy ήταν ηγέτες που άνοιξαν το δρόμο για να κάνουν τον καλλιτέχνη / σχεδιαστή διασημότητα. Αφαίρεσαν το προσχηματικό στίγμα του κόσμου της τέχνης και έφεραν τη μόδα και το στυλ στις μάζες. Ο Γουόρχολ χρησιμοποίησε πολλές φορές εκτύπωση με μετάξι για να δημιουργήσει τις εικόνες. Αν και σίγουρα δεν εφηύρε τη διαδικασία, έφερε επανάσταση στην ιδέα της μαζικής παραγωγής.

Ο Roy χρησιμοποίησε υφάσματα και σχέδια που ήταν απλά και κομψά αλλά λαμπερά με τη χρήση πούλιων, ultras και μεταξιού. Oneταν ένας από τους πρώτους που έκανε την αμερικανική μόδα προσβάσιμη και επιθυμητή. Και οι δύο άφησαν το τελευταίο τους στίγμα στην τέχνη και το στυλ σε όλη τη δεκαετία του 1960, του 70 και του 80, το οποίο συνεχίζεται μέχρι σήμερα.

Τόσο ο Roy όσο και ο Andy έχουν συνεργαστεί σε πολλά διαφορετικά έργα. Ο Γουόρχολ δημιούργησε διαφημιστικές καμπάνιες που παρουσίαζαν τα ρούχα του Χάλστον, ακόμη και τον ίδιο τον Χάλστον. Με τη σειρά του, ο Χάλστον χρησιμοποίησε το floral print του Warhol σε μερικές από τις συλλογές ρούχων του, από βραδινά φορέματα μέχρι σύνολα αναψυχής.

Αριστερά προς τα δεξιά: Λουλούδια, 1970. / Λίζα, 1978. / Λουλούδια, 1970. (Όλα τα έργα του Andy Warhol). / Φωτογραφία: wmonden.ro
Αριστερά προς τα δεξιά: Λουλούδια, 1970. / Λίζα, 1978. / Λουλούδια, 1970. (Όλα τα έργα του Andy Warhol). / Φωτογραφία: wmonden.ro

Ο Roy χρησιμοποίησε απλά μοτίβα στα ρούχα του, γεγονός που τα έκανε πολύ επιτυχημένα. Wereταν άνετα να φορεθούν, αλλά είχαν και μια πινελιά πολυτέλειας χάρη στα υφάσματα, τα χρώματα και τις εκτυπώσεις. Ο Warhol απλοποίησε επίσης τα υλικά και τη διαδικασία του. Αυτό διευκόλυνε την αναπαραγωγή του έργου του και τα έκανε πιο πωλήσιμα.

Η εμπορική επιτυχία είχε τις δικές της προκλήσεις και για τους δύο καλλιτέχνες. Ο Halston ήταν ο πρώτος που συνεργάστηκε με την αλυσίδα λιανικής JCPenney το 1982 και αυτό επηρέασε την ποιότητα της μάρκας του. Ο Γουόρχολ αντιμετώπισε επίσης κριτική, καθώς το έργο του έγινε αντιληπτό ως επιφανειακό. Ωστόσο, και οι δύο έχουν εκσυγχρονίσει τη χρήση λιανικής και μάρκετινγκ στους αντίστοιχους χώρους τους για να δημιουργήσουν μάρκες για μαζικές πωλήσεις στην αγορά.

Αριστερά προς τα δεξιά: Φόρεμα Halston, 1972. / Φόρεμα με κάπα, 1966. / Κοστούμι, 1974. / Φωτογραφία: google.com
Αριστερά προς τα δεξιά: Φόρεμα Halston, 1972. / Φόρεμα με κάπα, 1966. / Κοστούμι, 1974. / Φωτογραφία: google.com

Ο Roy και ο Andy ήταν συχνοί επισκέπτες στο Studio 54. Έκαναν πάρτι, σχεδίασαν και παρήγαγαν έργα για διασημότητες όπως η Liza Minnelli, η Bianca Jagger και η Elizabeth Taylor. Όλα αυτά αντικατοπτρίζονται στη δουλειά τους καθώς ενέπνευσαν και καθόρισαν την εποχή της ντίσκο της δεκαετίας του 1970.

Αριστερά προς τα δεξιά: Διαμαντένια παπούτσια, 1980. / Διαμαντένια παπούτσια με γυναικείο φόρεμα, 1972. / Φωτογραφία: pinterest.com
Αριστερά προς τα δεξιά: Διαμαντένια παπούτσια, 1980. / Διαμαντένια παπούτσια με γυναικείο φόρεμα, 1972. / Φωτογραφία: pinterest.com

Ο Halston ήταν γνωστός για τη δημιουργία λαμπερών βραδινών ρούχων. Ο Roy έβαλε τις πούλιες οριζόντια στο ύφασμα, δημιουργώντας ένα λαμπερό αποτέλεσμα του υλικού που χρησιμοποίησε για να δημιουργήσει πολυτελή ρούχα που αγαπήθηκαν από πολλές λαμπερές κυρίες.

Η σειρά παπουτσιών Warhol Diamond Dust Shoot δείχνει επίσης τη νυχτερινή ζωή του Studio 54 και τις διασημότητες που ζουν εκεί. Η σκόνη διαμαντιού είναι αυτό που χρησιμοποίησε πάνω σε στένσιλ ή πίνακες ζωγραφικής, δημιουργώντας ένα επιπλέον στοιχείο βάθους για το κομμάτι. Και τα παπούτσια του ήταν αρχικά η ιδέα για τη διαφημιστική καμπάνια του Χάλστον. Σε κάθε περίπτωση, αυτά τα δύο συνέβαλαν τεράστια στη μόδα, αφήνοντας ένα ανεξίτηλο σημάδι πίσω τους. Πράγματι, ακόμη και σήμερα, πολλοί σύγχρονοι σχεδιαστές εμπνέονται από τις ιδέες του Andy και του Roy, δημιουργώντας υπέροχες συλλογές με ηχώ του παρελθόντος.

2. Sonia Delaunay: Όταν η τέχνη γίνεται μόδα

Η Sonia Delaunay με δύο φίλους στο στούντιο του Robert Delaunay, 1924. / Φωτογραφία: twitter.com
Η Sonia Delaunay με δύο φίλους στο στούντιο του Robert Delaunay, 1924. / Φωτογραφία: twitter.com

Η Sonia Delaunay όχι μόνο έφερε επανάσταση σε μια νέα μορφή κυβισμού, αλλά εισήγαγε επίσης τη σύνδεση μεταξύ τέχνης και μόδας. Τόσο η Delaunay όσο και ο σύζυγός της ήταν πρωτοπόροι του ορφισμού και πειραματίστηκαν με διάφορες μορφές αφαίρεσης στην τέχνη. Theταν η πρώτη στο είδος της που χρησιμοποίησε το δικό της καλλιτεχνικό στυλ και μετακόμισε στον κόσμο της μόδας χρησιμοποιώντας τα πρωτότυπα υφασμάτινα σχέδια, εκτυπώσεις ή σχέδια της. Θυμάται περισσότερο για την τέχνη και τη σχέση της με τον σύζυγό της παρά για τη μόδα της. Το στυλ της έπαιξε σημαντικό ρόλο στη δεκαετία του 1920 και ο κατάλογος των ρούχων της θυμάται περισσότερο για φωτογραφίες και αναφορές στην τέχνη της παρά για τα ίδια τα ρούχα. Για τη Sonya, δεν υπήρχε και δεν υπάρχει όριο μεταξύ τέχνης και μόδας. Για εκείνη, είναι ένα και το αυτό.

Αριστερά προς τα δεξιά: Three Dresses, Sonia Delaunay, 1925. / Τρία φορέματα σε ένα, 1913. / Φωτογραφία: yandex.ua
Αριστερά προς τα δεξιά: Three Dresses, Sonia Delaunay, 1925. / Τρία φορέματα σε ένα, 1913. / Φωτογραφία: yandex.ua

Ξεκίνησε τη μόδα της στη δεκαετία του 1920, δημιουργώντας ρούχα για πελάτες και σχεδιάζοντας υφάσματα για κατασκευαστές. Η Sonya ονόμασε την ετικέτα της ταυτόχρονη και προχώρησε ακόμη περισσότερο με τη χρήση χρώματος και σχεδίου σε διάφορα θέματα. Η ταυτόχρονη διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στη δουλειά της και η ασυνήθιστη τεχνική της θύμιζε ένα συνονθύλευμα πάπλωμα ή υφάσματα από την Ανατολική Ευρώπη: τα χρώματα τοποθετούνταν το ένα πάνω στο άλλο και τα μοτίβα χρησιμοποιούνταν για να δημιουργήσουν αρμονία και ρυθμό. Τα κοινά της θέματα περιλαμβάνουν τετράγωνα / ορθογώνια, τρίγωνα και διαγώνιες γραμμές ή σφαίρες - όλα αυτά επικαλύπτονται στα διάφορα σχέδιά της.

Έργα της Sonia Delaunay. / Φωτογραφία: ok.ru
Έργα της Sonia Delaunay. / Φωτογραφία: ok.ru

Η Delaunay ήταν μια νεαρή γυναίκα κατά την εποχή των Εδουαρδιανών, όταν οι κορσέδες και η συμμόρφωση ήταν ο κανόνας. Αυτό άλλαξε τη δεκαετία του 1920 όταν οι γυναίκες άρχισαν να φορούν φούστες πάνω από το γόνατο και φαρδιά ρούχα που ταιριάζουν στη φόρμα. Αυτή η πτυχή φαίνεται στα σχέδια της Delaunay και ήταν παθιασμένη με τη δημιουργία ρούχων που ταιριάζουν στις ανάγκες των γυναικών. Η Sonya ανέπτυξε μαγιό που επέτρεπε στις γυναίκες να αισθάνονται πιο άνετα, ακόμη και όταν αθλούνται και κολυμπούν. Έβαλε τις εκτυπώσεις της σε παλτά, παπούτσια, καπέλα, ακόμη και αυτοκίνητα, χρησιμοποιώντας οποιαδήποτε επιφάνεια ως καμβά. Τα σχέδιά της δημιούργησαν ελευθερία κινήσεων και έκφρασης μέσα από το χρώμα και το σχήμα.

Από αριστερά προς τα δεξιά: Κοστούμι για μια ταινία του Rene Le Somptier, 1926. / Κοστούμι Κλεοπάτρα για ρωσικό μπαλέτο, 1918. / Φωτογραφία: facebook.com
Από αριστερά προς τα δεξιά: Κοστούμι για μια ταινία του Rene Le Somptier, 1926. / Κοστούμι Κλεοπάτρα για ρωσικό μπαλέτο, 1918. / Φωτογραφία: facebook.com

Καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας της, προσπαθούσε συνεχώς τον εαυτό της σε κάτι νέο, και ως αποτέλεσμα, μετακόμισε στον κινηματογράφο και το θέατρο. Η Σόνια σχεδίασε τα κοστούμια για το The Little Parisian του Rene Le Somptier, ενώ ο σύζυγός της έκανε τα σκηνικά για την ταινία. Της άρεσαν τα γεωμετρικά σχήματα, συνδυάζοντας επιδέξια και αναμειγνύοντάς τα μεταξύ τους, δημιουργώντας περίεργα σχέδια και σπασμένες γραμμές που έχουν γίνει το σήμα κατατεθέν της.

3. Συνεργασία μεταξύ της Έλσα Σκιαπαρέλι και του Σαλβαδόρ Νταλί

Το καπέλο παπουτσιών. / Φωτογραφία: gr.pinterest.com
Το καπέλο παπουτσιών. / Φωτογραφία: gr.pinterest.com

Η πρωτοπορία της σουρεαλιστικής τέχνης συνδυάζεται με τον ηγέτη της σουρεαλιστικής μόδας. Ο Salvador Dali και η σχεδιάστρια μόδας Elsa Schiaparelli συνεργάστηκαν και εμπνεύστηκαν ο ένας τον άλλον καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας τους. Δημιούργησαν εμβληματικές εμφανίσεις όπως το Lobster Dress, The Shoe Hat και The Tear Dress που συγκλόνισαν και ενέπνευσαν το κοινό τόσο στην τέχνη όσο και στη μόδα. Ο Νταλί και η Σκιαπαρέλι άνοιξαν το δρόμο για μελλοντική συνεργασία μεταξύ σχεδιαστών μόδας και καλλιτεχνών, γεφυρώνοντας το χάσμα ανάμεσα σε αυτό που θεωρείται φορετή τέχνη και μόδα. Ο Νταλί χρησιμοποίησε αστακούς ως επαναλαμβανόμενο θέμα στη δουλειά του και ενδιαφέρθηκε για την ανατομία τους.

Φόρεμα "Omar". / Φωτογραφία: pluralartmag.com
Φόρεμα "Omar". / Φωτογραφία: pluralartmag.com

Το φόρεμα "Omar" είναι ένα κοινό έργο της Elsa και του Dali και η δημιουργία τους προκάλεσε πολλές αντιπαραθέσεις όχι μόνο την ημέρα του ντεμπούτου του, αλλά και μετά. Πρώτον, έχει ένα διάφανο μπούστο και μια λευκή φούστα οργάντζα. Το ασυνήθιστο ντύσιμο ανατίναξε κυριολεκτικά τον κόσμο της μόδας, προκαλώντας πολλές αντιπαραθέσεις σε αυτό το σκορ. Η χρήση λευκού υφάσματος έρχεται επίσης σε αντίθεση με το κόκκινο χρώμα του αστακού. Το λευκό μπορεί να θεωρηθεί παρθένο ή να συμβολίζει την αγνότητα σε σύγκριση με το κόκκινο, που μπορεί να σημαίνει χαλαρότητα, δύναμη ή κίνδυνο.

Από αριστερά προς τα δεξιά: Γυναίκα με κεφάλι λουλουδιών, Σαλβαδόρ Νταλί, 1935. / Σκελετός φόρεμα, Έλσα Σκιαπαρέλλη, 1938. / Φωτογραφία: youtube.com
Από αριστερά προς τα δεξιά: Γυναίκα με κεφάλι λουλουδιών, Σαλβαδόρ Νταλί, 1935. / Σκελετός φόρεμα, Έλσα Σκιαπαρέλλη, 1938. / Φωτογραφία: youtube.com

Οι σκελετοί είναι ένα άλλο θέμα που βρίσκεται στην σουρεαλιστική τέχνη και έχουν χρησιμοποιηθεί σε περισσότερες συνεργασίες μεταξύ του Νταλί και του Σκιαπαρέλι. Το Skeleton φόρεμα ήταν το πρώτο στο είδος του. Η Έλσα χρησιμοποίησε μια τεχνική που ονομάζεται trapunto, όπου δύο στρώματα υφάσματος ράβονται μεταξύ τους, δημιουργώντας ένα περίγραμμα όπου εισάγεται το κτύπημα, δημιουργώντας έτσι ένα αυξημένο αποτέλεσμα. Αυτή η τεχνική δημιουργεί μια υφή επιφάνειας σε ένα επίπεδο ύφασμα, δίνοντας την ψευδαίσθηση ότι τα ανθρώπινα οστά προεξέχουν μέσα από το φόρεμα. Αυτό προκάλεσε σκάνδαλο επειδή το φόρεμα ήταν κατασκευασμένο από ελαστικό υλικό που κολλούσε στο δέρμα. Οι φαντασιώσεις των πινάκων και των σχεδίων του Νταλί ενσωματώθηκαν στον εξωπραγματικό κόσμο των ενδυμάτων του Σκιαπαρέλι, που μέχρι σήμερα κάνουν ανεξίτηλη εντύπωση τόσο στους θεατές όσο και στους σχεδιαστές.

4. Yves Saint Laurent: The Clash of Art and Inspiration

Αριστερά προς τα δεξιά: Φόρεμα Πικάσο του Yves Saint Laurent, 1988. / Birds of Georges Braque, 1953. Φωτογραφία: pinterest.com
Αριστερά προς τα δεξιά: Φόρεμα Πικάσο του Yves Saint Laurent, 1988. / Birds of Georges Braque, 1953. Φωτογραφία: pinterest.com

Πού βρίσκεται το όριο μεταξύ μίμησης και εκτίμησης; Οι κριτικοί, το κοινό, οι καλλιτέχνες και οι σχεδιαστές έχουν αγωνιστεί να καθορίσουν πού θα τρέξει αυτή η γραμμή. Ωστόσο, όταν ήρθε το θέμα του Yves Saint Laurent, οι προθέσεις του δεν ήταν παρά κολακεία και θαυμασμός για τους καλλιτέχνες και τους πίνακες που χρησιμοποίησε ως έμπνευση. Κοιτάζοντας το τεράστιο χαρτοφυλάκιο του, ο Saint Laurent εμπνεύστηκε από πολιτισμούς και τέχνη από όλο τον κόσμο, τα οποία ενσωμάτωσε με επιτυχία στα ρούχα του.

Αριστερά προς τα δεξιά: Φόρεμα κοκτέιλ - φόρος τιμής στον Πιτ Μόντριαν, 1965. / Βραδινό φόρεμα - φόρος τιμής στον Τομ Βέσελμαν, 1966. / Φωτογραφία: vk.com
Αριστερά προς τα δεξιά: Φόρεμα κοκτέιλ - φόρος τιμής στον Πιτ Μόντριαν, 1965. / Βραδινό φόρεμα - φόρος τιμής στον Τομ Βέσελμαν, 1966. / Φωτογραφία: vk.com

Αν και ο Yves δεν συνάντησε ποτέ τους καλλιτέχνες που τον ενέπνευσαν, αυτό δεν τον εμπόδισε να δημιουργήσει έργα τέχνης ως ένδειξη σεβασμού προς αυτούς. Ο Laurent αντλούσε έμπνευση από καλλιτέχνες όπως οι Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque και Picasso. Wasταν συλλέκτης τέχνης και μάζευε πίνακες του Πικάσο και του Ματίς, τους οποίους κρέμασε στο σπίτι του.

Ο Yves πήρε μερικά από τα μοτίβα τέχνης και τα μετέτρεψε σε εκπληκτικά ρούχα που αποτίουν φόρο τιμής σε μερικούς από τους αγαπημένους του καλλιτέχνες. Η δεκαετία του 1960 ήταν εποχή επανάστασης και εμπορικότητας, μια νέα εποχή μόδας και τέχνης. Τα έργα του Saint Laurent κέρδισαν εμπορική επιτυχία όταν άρχισε να εμπνέεται από την pop art και την αφαίρεση. Το 1965, δημιούργησε είκοσι έξι φορέματα εμπνευσμένα από αφηρημένους πίνακες του Piet Mondrian. Τα φορέματα ενσωμάτωσαν τη χρήση απλούστερων σχημάτων και έντονων πρωτογενών χρωμάτων από τον Mondrian. Ο Yves χρησιμοποίησε μια τεχνική κατά την οποία δεν υπήρχαν ορατές ραφές μεταξύ των στρωμάτων του υφάσματος, η οποία έδωσε την εντύπωση ότι τα ρούχα ήταν ένα ολόκληρο κομμάτι. Ο Saint Laurent πήρε την τέχνη του Mondrian από τη δεκαετία του 1920 και την έκανε φορετή σε σχέση με τη δεκαετία του 1960.

Αριστερά προς τα δεξιά: Λεπτομέρεια από ένα σακάκι σε στιλ Βαν Γκογκ, 1988. / Διάσημοι ηλιοτρόπιοι του Βαν Γκογκ, 1889. / Φωτογραφία: zhuanlan.zhihu.com
Αριστερά προς τα δεξιά: Λεπτομέρεια από ένα σακάκι σε στιλ Βαν Γκογκ, 1988. / Διάσημοι ηλιοτρόπιοι του Βαν Γκογκ, 1889. / Φωτογραφία: zhuanlan.zhihu.com

Τα φορέματα μόδας είναι κλασικά παραδείγματα του στυλ της δεκαετίας του 1960. Wereταν παρόμοια με τα ρούχα της δεκαετίας του 1920 που ήταν λιγότερο περιορισμένα και είχαν μανίκια και κορδόνια που εκθέτουν μεγάλα κομμάτια δέρματος. Οι τετράγωνες σιλουέτες του Saint Laurent έκαναν τις γυναίκες να αισθάνονται ελαφριές και ελεύθερες. Αυτό τον οδήγησε επίσης στην έμπνευση από καλλιτέχνες της ποπ τέχνης όπως ο Τομ Βέσελμαν και ο Άντι Γουόρχολ. Δημιούργησε μια σειρά από σχέδια εμπνευσμένα από την τέχνη της τέχνης που έφεραν σιλουέτες και περικοπές στα ρούχα του. Itταν για την υπέρβαση των περιορισμών του τι είναι η αφαίρεση στην τέχνη και την εμπορευματοποίηση του σχεδιασμού. Ο Laurent έφερε αυτές τις δύο ιδέες μαζί για να δημιουργήσει ρούχα για γυναίκες που είναι δωρεάν και ελκυστικά για τις σύγχρονες κυρίες.

Μπουφάν στο στυλ του Βαν Γκογκ, 1988. / Φωτογραφία: zhuanlan.zhihu.com
Μπουφάν στο στυλ του Βαν Γκογκ, 1988. / Φωτογραφία: zhuanlan.zhihu.com

Τα σακάκια Vincent Van Gogh του Saint Laurent είναι ένα παράδειγμα του πώς ο Yves συνδύασε την έμπνευση του καλλιτέχνη με τα δικά του ταλέντα σχεδιασμού. Όπως και τα άλλα ρούχα του, τα θέματα που σχετίζονται με τον καλλιτέχνη δεν αντιγράφηκαν και δεν κολλήθηκαν στα ρούχα του Saint Laurent. Αντ 'αυτού, επέλεξε να τα χρησιμοποιήσει ως πηγή έμπνευσης και να δημιουργήσει κομμάτια που αντικατοπτρίζουν το δικό του στυλ. Το σακάκι είναι ένα παράδειγμα του στυλ της δεκαετίας του '80, το οποίο είναι κεντημένο με ηλιοτρόπια στο γραφικό στυλ του Βαν Γκογκ.

Ο Laurent έχει συνεργαστεί με τον Maison Lesage, έναν ηγέτη στα κεντήματα υψηλής ραπτικής. Το μπουφάν "Sunflowers" είναι κεντημένο με σωληνοειδείς χάντρες. Τα λουλούδια είναι γεμάτα με διαφορετικές αποχρώσεις πορτοκαλί και κίτρινες λάμψεις. Αυτό δημιουργεί μια πολυδιάστατη υφή παρόμοια με την τεχνική του Βαν Γκογκ για εφαρμογή παχιάς βαφής σε καμβά. Εκτιμάται ότι είναι ένα από τα πιο ακριβά αντικείμενα υψηλής ραπτικής που κατασκευάστηκαν ποτέ και πουλήθηκαν στο Christie's για σχεδόν τετρακόσιες χιλιάδες ευρώ. Ο Saint Laurent άνοιξε το δρόμο για να φορέσει ρούχα ως έργο τέχνης από μόνο του, ανεξάρτητα από τη μόδα και τη χρονική περίοδο.

Συνεχίζοντας το θέμα, διαβάστε επίσης σχετικά αυτό που οδήγησε την Saeko Yamaguchi στην επιτυχία, καθιστώντας την μια από τις πιο αγαπημένες μούσες του Kenzo και του Yamamoto.

Συνιστάται: