Πίνακας περιεχομένων:
- 1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood
- 2. Sonia Delaunay: Όταν η τέχνη γίνεται μόδα
- 3. Συνεργασία μεταξύ της Έλσα Σκιαπαρέλι και του Σαλβαδόρ Νταλί
- 4. Yves Saint Laurent: The Clash of Art and Inspiration
Βίντεο: Πώς οι πίνακες από διάσημους καλλιτέχνες έγιναν μέρος της μόδας, διαμορφώνοντας ένα νέο στυλ του εικοστού αιώνα
2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02
Οι δεσμοί μεταξύ τέχνης και μόδας καθορίζουν συγκεκριμένες στιγμές στην ιστορία. Και τα δύο αυτά μέσα αντανακλούν κοινωνικές, οικονομικές και πολιτικές αλλαγές από τη δεκαετία του '20 που φώναζε μέχρι τη ζωντανή δεκαετία του '80. Ακολουθούν τέσσερα παραδείγματα καλλιτεχνών και σχεδιαστών μόδας που με τη δουλειά τους βοήθησαν στη διαμόρφωση μιας νέας προοπτικής για την τέχνη και τη μόδα του 20ού αιώνα.
1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood
Η φιλία μεταξύ του Roy Halston και του Andy Warhol καθόρισε τον καλλιτεχνικό κόσμο. Τόσο ο Roy όσο και ο Andy ήταν ηγέτες που άνοιξαν το δρόμο για να κάνουν τον καλλιτέχνη / σχεδιαστή διασημότητα. Αφαίρεσαν το προσχηματικό στίγμα του κόσμου της τέχνης και έφεραν τη μόδα και το στυλ στις μάζες. Ο Γουόρχολ χρησιμοποίησε πολλές φορές εκτύπωση με μετάξι για να δημιουργήσει τις εικόνες. Αν και σίγουρα δεν εφηύρε τη διαδικασία, έφερε επανάσταση στην ιδέα της μαζικής παραγωγής.
Ο Roy χρησιμοποίησε υφάσματα και σχέδια που ήταν απλά και κομψά αλλά λαμπερά με τη χρήση πούλιων, ultras και μεταξιού. Oneταν ένας από τους πρώτους που έκανε την αμερικανική μόδα προσβάσιμη και επιθυμητή. Και οι δύο άφησαν το τελευταίο τους στίγμα στην τέχνη και το στυλ σε όλη τη δεκαετία του 1960, του 70 και του 80, το οποίο συνεχίζεται μέχρι σήμερα.
Τόσο ο Roy όσο και ο Andy έχουν συνεργαστεί σε πολλά διαφορετικά έργα. Ο Γουόρχολ δημιούργησε διαφημιστικές καμπάνιες που παρουσίαζαν τα ρούχα του Χάλστον, ακόμη και τον ίδιο τον Χάλστον. Με τη σειρά του, ο Χάλστον χρησιμοποίησε το floral print του Warhol σε μερικές από τις συλλογές ρούχων του, από βραδινά φορέματα μέχρι σύνολα αναψυχής.
Ο Roy χρησιμοποίησε απλά μοτίβα στα ρούχα του, γεγονός που τα έκανε πολύ επιτυχημένα. Wereταν άνετα να φορεθούν, αλλά είχαν και μια πινελιά πολυτέλειας χάρη στα υφάσματα, τα χρώματα και τις εκτυπώσεις. Ο Warhol απλοποίησε επίσης τα υλικά και τη διαδικασία του. Αυτό διευκόλυνε την αναπαραγωγή του έργου του και τα έκανε πιο πωλήσιμα.
Η εμπορική επιτυχία είχε τις δικές της προκλήσεις και για τους δύο καλλιτέχνες. Ο Halston ήταν ο πρώτος που συνεργάστηκε με την αλυσίδα λιανικής JCPenney το 1982 και αυτό επηρέασε την ποιότητα της μάρκας του. Ο Γουόρχολ αντιμετώπισε επίσης κριτική, καθώς το έργο του έγινε αντιληπτό ως επιφανειακό. Ωστόσο, και οι δύο έχουν εκσυγχρονίσει τη χρήση λιανικής και μάρκετινγκ στους αντίστοιχους χώρους τους για να δημιουργήσουν μάρκες για μαζικές πωλήσεις στην αγορά.
Ο Roy και ο Andy ήταν συχνοί επισκέπτες στο Studio 54. Έκαναν πάρτι, σχεδίασαν και παρήγαγαν έργα για διασημότητες όπως η Liza Minnelli, η Bianca Jagger και η Elizabeth Taylor. Όλα αυτά αντικατοπτρίζονται στη δουλειά τους καθώς ενέπνευσαν και καθόρισαν την εποχή της ντίσκο της δεκαετίας του 1970.
Ο Halston ήταν γνωστός για τη δημιουργία λαμπερών βραδινών ρούχων. Ο Roy έβαλε τις πούλιες οριζόντια στο ύφασμα, δημιουργώντας ένα λαμπερό αποτέλεσμα του υλικού που χρησιμοποίησε για να δημιουργήσει πολυτελή ρούχα που αγαπήθηκαν από πολλές λαμπερές κυρίες.
Η σειρά παπουτσιών Warhol Diamond Dust Shoot δείχνει επίσης τη νυχτερινή ζωή του Studio 54 και τις διασημότητες που ζουν εκεί. Η σκόνη διαμαντιού είναι αυτό που χρησιμοποίησε πάνω σε στένσιλ ή πίνακες ζωγραφικής, δημιουργώντας ένα επιπλέον στοιχείο βάθους για το κομμάτι. Και τα παπούτσια του ήταν αρχικά η ιδέα για τη διαφημιστική καμπάνια του Χάλστον. Σε κάθε περίπτωση, αυτά τα δύο συνέβαλαν τεράστια στη μόδα, αφήνοντας ένα ανεξίτηλο σημάδι πίσω τους. Πράγματι, ακόμη και σήμερα, πολλοί σύγχρονοι σχεδιαστές εμπνέονται από τις ιδέες του Andy και του Roy, δημιουργώντας υπέροχες συλλογές με ηχώ του παρελθόντος.
2. Sonia Delaunay: Όταν η τέχνη γίνεται μόδα
Η Sonia Delaunay όχι μόνο έφερε επανάσταση σε μια νέα μορφή κυβισμού, αλλά εισήγαγε επίσης τη σύνδεση μεταξύ τέχνης και μόδας. Τόσο η Delaunay όσο και ο σύζυγός της ήταν πρωτοπόροι του ορφισμού και πειραματίστηκαν με διάφορες μορφές αφαίρεσης στην τέχνη. Theταν η πρώτη στο είδος της που χρησιμοποίησε το δικό της καλλιτεχνικό στυλ και μετακόμισε στον κόσμο της μόδας χρησιμοποιώντας τα πρωτότυπα υφασμάτινα σχέδια, εκτυπώσεις ή σχέδια της. Θυμάται περισσότερο για την τέχνη και τη σχέση της με τον σύζυγό της παρά για τη μόδα της. Το στυλ της έπαιξε σημαντικό ρόλο στη δεκαετία του 1920 και ο κατάλογος των ρούχων της θυμάται περισσότερο για φωτογραφίες και αναφορές στην τέχνη της παρά για τα ίδια τα ρούχα. Για τη Sonya, δεν υπήρχε και δεν υπάρχει όριο μεταξύ τέχνης και μόδας. Για εκείνη, είναι ένα και το αυτό.
Ξεκίνησε τη μόδα της στη δεκαετία του 1920, δημιουργώντας ρούχα για πελάτες και σχεδιάζοντας υφάσματα για κατασκευαστές. Η Sonya ονόμασε την ετικέτα της ταυτόχρονη και προχώρησε ακόμη περισσότερο με τη χρήση χρώματος και σχεδίου σε διάφορα θέματα. Η ταυτόχρονη διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στη δουλειά της και η ασυνήθιστη τεχνική της θύμιζε ένα συνονθύλευμα πάπλωμα ή υφάσματα από την Ανατολική Ευρώπη: τα χρώματα τοποθετούνταν το ένα πάνω στο άλλο και τα μοτίβα χρησιμοποιούνταν για να δημιουργήσουν αρμονία και ρυθμό. Τα κοινά της θέματα περιλαμβάνουν τετράγωνα / ορθογώνια, τρίγωνα και διαγώνιες γραμμές ή σφαίρες - όλα αυτά επικαλύπτονται στα διάφορα σχέδιά της.
Η Delaunay ήταν μια νεαρή γυναίκα κατά την εποχή των Εδουαρδιανών, όταν οι κορσέδες και η συμμόρφωση ήταν ο κανόνας. Αυτό άλλαξε τη δεκαετία του 1920 όταν οι γυναίκες άρχισαν να φορούν φούστες πάνω από το γόνατο και φαρδιά ρούχα που ταιριάζουν στη φόρμα. Αυτή η πτυχή φαίνεται στα σχέδια της Delaunay και ήταν παθιασμένη με τη δημιουργία ρούχων που ταιριάζουν στις ανάγκες των γυναικών. Η Sonya ανέπτυξε μαγιό που επέτρεπε στις γυναίκες να αισθάνονται πιο άνετα, ακόμη και όταν αθλούνται και κολυμπούν. Έβαλε τις εκτυπώσεις της σε παλτά, παπούτσια, καπέλα, ακόμη και αυτοκίνητα, χρησιμοποιώντας οποιαδήποτε επιφάνεια ως καμβά. Τα σχέδιά της δημιούργησαν ελευθερία κινήσεων και έκφρασης μέσα από το χρώμα και το σχήμα.
Καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας της, προσπαθούσε συνεχώς τον εαυτό της σε κάτι νέο, και ως αποτέλεσμα, μετακόμισε στον κινηματογράφο και το θέατρο. Η Σόνια σχεδίασε τα κοστούμια για το The Little Parisian του Rene Le Somptier, ενώ ο σύζυγός της έκανε τα σκηνικά για την ταινία. Της άρεσαν τα γεωμετρικά σχήματα, συνδυάζοντας επιδέξια και αναμειγνύοντάς τα μεταξύ τους, δημιουργώντας περίεργα σχέδια και σπασμένες γραμμές που έχουν γίνει το σήμα κατατεθέν της.
3. Συνεργασία μεταξύ της Έλσα Σκιαπαρέλι και του Σαλβαδόρ Νταλί
Η πρωτοπορία της σουρεαλιστικής τέχνης συνδυάζεται με τον ηγέτη της σουρεαλιστικής μόδας. Ο Salvador Dali και η σχεδιάστρια μόδας Elsa Schiaparelli συνεργάστηκαν και εμπνεύστηκαν ο ένας τον άλλον καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας τους. Δημιούργησαν εμβληματικές εμφανίσεις όπως το Lobster Dress, The Shoe Hat και The Tear Dress που συγκλόνισαν και ενέπνευσαν το κοινό τόσο στην τέχνη όσο και στη μόδα. Ο Νταλί και η Σκιαπαρέλι άνοιξαν το δρόμο για μελλοντική συνεργασία μεταξύ σχεδιαστών μόδας και καλλιτεχνών, γεφυρώνοντας το χάσμα ανάμεσα σε αυτό που θεωρείται φορετή τέχνη και μόδα. Ο Νταλί χρησιμοποίησε αστακούς ως επαναλαμβανόμενο θέμα στη δουλειά του και ενδιαφέρθηκε για την ανατομία τους.
Το φόρεμα "Omar" είναι ένα κοινό έργο της Elsa και του Dali και η δημιουργία τους προκάλεσε πολλές αντιπαραθέσεις όχι μόνο την ημέρα του ντεμπούτου του, αλλά και μετά. Πρώτον, έχει ένα διάφανο μπούστο και μια λευκή φούστα οργάντζα. Το ασυνήθιστο ντύσιμο ανατίναξε κυριολεκτικά τον κόσμο της μόδας, προκαλώντας πολλές αντιπαραθέσεις σε αυτό το σκορ. Η χρήση λευκού υφάσματος έρχεται επίσης σε αντίθεση με το κόκκινο χρώμα του αστακού. Το λευκό μπορεί να θεωρηθεί παρθένο ή να συμβολίζει την αγνότητα σε σύγκριση με το κόκκινο, που μπορεί να σημαίνει χαλαρότητα, δύναμη ή κίνδυνο.
Οι σκελετοί είναι ένα άλλο θέμα που βρίσκεται στην σουρεαλιστική τέχνη και έχουν χρησιμοποιηθεί σε περισσότερες συνεργασίες μεταξύ του Νταλί και του Σκιαπαρέλι. Το Skeleton φόρεμα ήταν το πρώτο στο είδος του. Η Έλσα χρησιμοποίησε μια τεχνική που ονομάζεται trapunto, όπου δύο στρώματα υφάσματος ράβονται μεταξύ τους, δημιουργώντας ένα περίγραμμα όπου εισάγεται το κτύπημα, δημιουργώντας έτσι ένα αυξημένο αποτέλεσμα. Αυτή η τεχνική δημιουργεί μια υφή επιφάνειας σε ένα επίπεδο ύφασμα, δίνοντας την ψευδαίσθηση ότι τα ανθρώπινα οστά προεξέχουν μέσα από το φόρεμα. Αυτό προκάλεσε σκάνδαλο επειδή το φόρεμα ήταν κατασκευασμένο από ελαστικό υλικό που κολλούσε στο δέρμα. Οι φαντασιώσεις των πινάκων και των σχεδίων του Νταλί ενσωματώθηκαν στον εξωπραγματικό κόσμο των ενδυμάτων του Σκιαπαρέλι, που μέχρι σήμερα κάνουν ανεξίτηλη εντύπωση τόσο στους θεατές όσο και στους σχεδιαστές.
4. Yves Saint Laurent: The Clash of Art and Inspiration
Πού βρίσκεται το όριο μεταξύ μίμησης και εκτίμησης; Οι κριτικοί, το κοινό, οι καλλιτέχνες και οι σχεδιαστές έχουν αγωνιστεί να καθορίσουν πού θα τρέξει αυτή η γραμμή. Ωστόσο, όταν ήρθε το θέμα του Yves Saint Laurent, οι προθέσεις του δεν ήταν παρά κολακεία και θαυμασμός για τους καλλιτέχνες και τους πίνακες που χρησιμοποίησε ως έμπνευση. Κοιτάζοντας το τεράστιο χαρτοφυλάκιο του, ο Saint Laurent εμπνεύστηκε από πολιτισμούς και τέχνη από όλο τον κόσμο, τα οποία ενσωμάτωσε με επιτυχία στα ρούχα του.
Αν και ο Yves δεν συνάντησε ποτέ τους καλλιτέχνες που τον ενέπνευσαν, αυτό δεν τον εμπόδισε να δημιουργήσει έργα τέχνης ως ένδειξη σεβασμού προς αυτούς. Ο Laurent αντλούσε έμπνευση από καλλιτέχνες όπως οι Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque και Picasso. Wasταν συλλέκτης τέχνης και μάζευε πίνακες του Πικάσο και του Ματίς, τους οποίους κρέμασε στο σπίτι του.
Ο Yves πήρε μερικά από τα μοτίβα τέχνης και τα μετέτρεψε σε εκπληκτικά ρούχα που αποτίουν φόρο τιμής σε μερικούς από τους αγαπημένους του καλλιτέχνες. Η δεκαετία του 1960 ήταν εποχή επανάστασης και εμπορικότητας, μια νέα εποχή μόδας και τέχνης. Τα έργα του Saint Laurent κέρδισαν εμπορική επιτυχία όταν άρχισε να εμπνέεται από την pop art και την αφαίρεση. Το 1965, δημιούργησε είκοσι έξι φορέματα εμπνευσμένα από αφηρημένους πίνακες του Piet Mondrian. Τα φορέματα ενσωμάτωσαν τη χρήση απλούστερων σχημάτων και έντονων πρωτογενών χρωμάτων από τον Mondrian. Ο Yves χρησιμοποίησε μια τεχνική κατά την οποία δεν υπήρχαν ορατές ραφές μεταξύ των στρωμάτων του υφάσματος, η οποία έδωσε την εντύπωση ότι τα ρούχα ήταν ένα ολόκληρο κομμάτι. Ο Saint Laurent πήρε την τέχνη του Mondrian από τη δεκαετία του 1920 και την έκανε φορετή σε σχέση με τη δεκαετία του 1960.
Τα φορέματα μόδας είναι κλασικά παραδείγματα του στυλ της δεκαετίας του 1960. Wereταν παρόμοια με τα ρούχα της δεκαετίας του 1920 που ήταν λιγότερο περιορισμένα και είχαν μανίκια και κορδόνια που εκθέτουν μεγάλα κομμάτια δέρματος. Οι τετράγωνες σιλουέτες του Saint Laurent έκαναν τις γυναίκες να αισθάνονται ελαφριές και ελεύθερες. Αυτό τον οδήγησε επίσης στην έμπνευση από καλλιτέχνες της ποπ τέχνης όπως ο Τομ Βέσελμαν και ο Άντι Γουόρχολ. Δημιούργησε μια σειρά από σχέδια εμπνευσμένα από την τέχνη της τέχνης που έφεραν σιλουέτες και περικοπές στα ρούχα του. Itταν για την υπέρβαση των περιορισμών του τι είναι η αφαίρεση στην τέχνη και την εμπορευματοποίηση του σχεδιασμού. Ο Laurent έφερε αυτές τις δύο ιδέες μαζί για να δημιουργήσει ρούχα για γυναίκες που είναι δωρεάν και ελκυστικά για τις σύγχρονες κυρίες.
Τα σακάκια Vincent Van Gogh του Saint Laurent είναι ένα παράδειγμα του πώς ο Yves συνδύασε την έμπνευση του καλλιτέχνη με τα δικά του ταλέντα σχεδιασμού. Όπως και τα άλλα ρούχα του, τα θέματα που σχετίζονται με τον καλλιτέχνη δεν αντιγράφηκαν και δεν κολλήθηκαν στα ρούχα του Saint Laurent. Αντ 'αυτού, επέλεξε να τα χρησιμοποιήσει ως πηγή έμπνευσης και να δημιουργήσει κομμάτια που αντικατοπτρίζουν το δικό του στυλ. Το σακάκι είναι ένα παράδειγμα του στυλ της δεκαετίας του '80, το οποίο είναι κεντημένο με ηλιοτρόπια στο γραφικό στυλ του Βαν Γκογκ.
Ο Laurent έχει συνεργαστεί με τον Maison Lesage, έναν ηγέτη στα κεντήματα υψηλής ραπτικής. Το μπουφάν "Sunflowers" είναι κεντημένο με σωληνοειδείς χάντρες. Τα λουλούδια είναι γεμάτα με διαφορετικές αποχρώσεις πορτοκαλί και κίτρινες λάμψεις. Αυτό δημιουργεί μια πολυδιάστατη υφή παρόμοια με την τεχνική του Βαν Γκογκ για εφαρμογή παχιάς βαφής σε καμβά. Εκτιμάται ότι είναι ένα από τα πιο ακριβά αντικείμενα υψηλής ραπτικής που κατασκευάστηκαν ποτέ και πουλήθηκαν στο Christie's για σχεδόν τετρακόσιες χιλιάδες ευρώ. Ο Saint Laurent άνοιξε το δρόμο για να φορέσει ρούχα ως έργο τέχνης από μόνο του, ανεξάρτητα από τη μόδα και τη χρονική περίοδο.
Συνεχίζοντας το θέμα, διαβάστε επίσης σχετικά αυτό που οδήγησε την Saeko Yamaguchi στην επιτυχία, καθιστώντας την μια από τις πιο αγαπημένες μούσες του Kenzo και του Yamamoto.
Συνιστάται:
Πώς «Οι κόρες του μπαμπά» έγιναν μοιραίες γυναίκες: Οι ηθοποιοί των δημοφιλών τηλεοπτικών σειρών που κατέκτησαν διάσημους καλλιτέχνες
Όταν προβλήθηκε η πρώτη σεζόν του Daddy's Daughters το 2007, οι έφηβες ηθοποιοί που πρωταγωνίστησαν σε αυτήν έγιναν αμέσως τα πιο δημοφιλή κορίτσια της χώρας. Αλλά τότε κανείς δεν μπορούσε να φανταστεί ότι οι αστείες νεαρές ηρωίδες σε λίγα χρόνια θα μετατρέπονταν σε πραγματικές μοιραίες ομορφιές και θα κατακτούσαν τους πιο διάσημους καλλιτέχνες. Πρόσφατα, τα ονόματα αυτών των ηθοποιών δεν έφυγαν από τις σελίδες των μέσων ενημέρωσης, όχι μόνο σε σχέση με την επιτυχή συνέχιση της κινηματογραφικής τους καριέρας, αλλά και λόγω συγκλονιστικών μυθιστορημάτων και γάμων
Τι έχει μείνει πίσω από τις σκηνές του "Brother" και του "Brother-2": πώς εμφανίστηκαν οι λατρευτικές ταινίες στα τέλη του εικοστού αιώνα
Οι διενέξεις σχετικά με αυτά τα έργα του σκηνοθέτη Alexei Balabanov συνεχίζονται μέχρι σήμερα. Κάποιος ισχυρίζεται ότι το "Brother" και το "Brother-2" είναι αφελείς και πρωτόγονες ταινίες, ενώ κάποιος τις αποκαλεί cult ταινίες για μια ολόκληρη γενιά "εγχειρίδια ταινιών της δεκαετίας του 1990" και πιστεύει ότι ο Sergei Bodrov κατάφερε να δημιουργήσει την εικόνα ενός "ήρωα του την εποχή μας ». Όπως και να έχει, μάλλον δεν υπάρχει άτομο που να μην έχει δει αυτές τις ταινίες. Ο ίδιος ο Μπαλαμπάνοφ δεν περίμενε καν ότι οι πίνακές του θα γίνουν τόσο δημοφιλείς. Τελικά, γυρίστηκαν, όπως λένε, με γυμνό ενθουσιασμό
Αισθητική του «χαμηλού στυλ», κυβισμός και άλλες καινοτομίες με τις οποίες κατέκτησαν τον κόσμο οι Γάλλοι καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα: ο Ματίς, ο Σαγκάλ κ.λπ
Για τη Γαλλία, και συγκεκριμένα για το Παρίσι, μπορείτε να μιλήσετε επ 'αόριστον, περιγράφοντας όλα τα υπέρ και τα κατά της πόλης και της χώρας συνολικά. Αλλά η γαλλική πρωτεύουσα διαχρονικά ξεχώριζε για τον ιδιαίτερο χαρακτήρα της, μη θέλοντας να ενταχθεί στο γενικά αποδεκτό πλαίσιο και στερεότυπα. Αυτό το καταπληκτικό μέρος «μεγάλωσε» και «εκπαίδευσε» τους καλύτερους σχεδιαστές, αρωματοποιούς, στιλίστες, αρχιτέκτονες και φυσικά καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα, τα έργα των οποίων, απολαμβάνοντας τεράστια δημοτικότητα, μπήκαν στην ιστορία της τέχνης, εγκαταστάθηκαν σταθερά εκεί
Αυτό που έγινε διάσημο για τους 7 πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα
Η ακμή της ρωσικής σχολής ζωγραφικής τέχνης ήρθε τον 18ο αιώνα, μετά το άνοιγμα της Αυτοκρατορικής Ακαδημίας Τεχνών. Αυτό το εκπαιδευτικό ίδρυμα άνοιξε τον κόσμο σε εξαιρετικούς καλλιτέχνες όπως: Vasily Ivanovich Surikov, Ivan Konstantinovich Aivazovsky, Mikhail Alexandrovich Vrubel, Fedor Stepanovich Rokotov, καθώς και πολλοί άλλοι διάσημοι δάσκαλοι. Και ήδη από τη δεκαετία του 1890, οι γυναίκες εκπρόσωποι είχαν τη δυνατότητα να σπουδάσουν σε αυτήν την ακαδημία. Τόσο ταλαντούχοι καλλιτέχνες όπως: η Σοφία Βασίλιε σπούδασε εδώ
Ρωσίδα μετανάστρια Lady Abdi - το στυλ εικόνας της παρισινής μόδας του πρώτου τρίτου του εικοστού αιώνα
Μετά τη δημοσίευση του βιβλίου "Beauty in Exile" του κριτικού τέχνης Alexander Vasiliev, ακούστηκαν τα ονόματα πολλών Ρώσων μοντέλων που αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν τη χώρα τους και αργότερα κέρδισαν δημοτικότητα στο εξωτερικό. Ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα είναι η τύχη της Iya Ge (παντρεμένη - Lady Abdi), γέννημα θρέμμα του Slavyansk. Έχοντας ζήσει για πολλά χρόνια στην εξορία, έκανε καριέρα ως ηθοποιός κινηματογράφου, δοκίμασε τον εαυτό της στο θέατρο, αλλά η δουλειά της στη βιομηχανία της μόδας της έφερε πραγματική επιτυχία. Oneταν ένα από τα λαμπρότερα μοντέλα της Vogue και