Λίγα γνωστά γεγονότα για την ψηφιακή ζωγραφική που αποδεικνύουν ότι αυτό το είδος είναι υψηλή τέχνη

2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02

Η ψηφιακή ζωγραφική είναι μια λεπτή γραμμή αντιθέτων, που συνδυάζει μια έντονη παφλασμό χρωμάτων με υψηλή τεχνολογία. Πρόκειται για έναν εκπληκτικό κόσμο τέχνης, όπου κάθε δημιουργημένη εικόνα είναι τόσο πολύπλευρη που μερικές φορές είναι δύσκολο να την καταλάβεις και να την εκτιμήσεις. Κάποιος προτιμά ένα μικτό στυλ και κάποιος από το μηδέν χρησιμοποιεί αποκλειστικά ένα tablet για σχεδίαση και δώδεκα κατάλληλα προγράμματα για επεξεργασία. Αλλά με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, αυτή η τέχνη είναι αρκετά δημοφιλής σε όλο τον κόσμο και μπορεί να καυχηθεί για μια εξίσου ζωντανή και συναρπαστική ιστορία της ίδρυσής της.

1. Ιστορία της ψηφιακής ζωγραφικής

Από την εφεύρεση της φωτογραφίας στα τέλη του 19ου αιώνα, η ζωγραφική άρχισε σιγά σιγά να ξεθωριάζει και άρχισε μια πραγματική αντιπαράθεση μεταξύ φωτογράφων και καλλιτεχνών, επειδή όλοι προσπάθησαν να υπερασπιστούν και να αποδείξουν την άποψή τους. Μόλις τη δεκαετία του 1960, με την εμφάνιση της ποπ τέχνης και του φωτορεαλισμού, οι καλλιτέχνες άρχισαν να εξερευνούν την έννοια της ψηφιακής ζωγραφικής. Ένας από τους πρώτους που υιοθέτησε την ψηφιακή αισθητική ήταν ο ποπ καλλιτέχνης Roy Lichtenstein, ο οποίος εισήγαγε κουκκίδες μελάνης στην τέχνη του, τις οποίες ζωγράφισε επίπονα με το χέρι με ειδική βαφή μέσω μεταλλικού stencil.

Στον πίνακα του 1965 Brushstrokes, το Λιχτενστάιν μεγεθύνει ένα κόμικ που ονομάζεται Ζωγραφική του Ντικ Τζιορντάνο. Ο αφηρημένος σχεδιασμός της σύνθεσής του θυμίζει αυτόν των αφηρημένων εξπρεσιονιστών της Νέας Υόρκης του 1950, αλλά ο Λιχτενστάιν παρωδούσε σκόπιμα την υποτιθέμενη πρωτοτυπία τους κάνοντας την αφηρημένη σύνθεσή του και το χρώμα που στάζει εντελώς συνθετικό.

Στον απόηχο της αμερικανικής ποπ τέχνης, εμφανίστηκε στο Δυτικό Βερολίνο μια εναλλακτική ομάδα καλλιτεχνών που αυτοαποκαλούνταν καπιταλιστές ρεαλιστές, ανακηρύσσοντας τον εαυτό τους «τους πρώτους Γερμανούς ποπ καλλιτέχνες».

Ένα από τα πιο εξέχοντα μέλη της ομάδας ήταν ο Sigmar Polke, ο οποίος μελέτησε τους κόσμους των μέσων μαζικής ενημέρωσης, της διαφήμισης και του λαϊκού πολιτισμού. Σε αντίθεση όμως με την αμερικανική ποπ κουλτούρα, οι καπιταλιστές ρεαλιστές υιοθέτησαν μια πιο χονδροειδή και ακατάστατη προσέγγιση, συνδυάζοντας τον εξπρεσιονισμό του παρελθόντος της Γερμανίας με στοιχεία εικόνας των μέσων μαζικής ενημέρωσης για να δημιουργήσουν το δικό τους ψηφιακό στυλ ζωγραφικής.

Όπως ο Λιχτενστάιν, ο Πόλκε αγαπούσε τις κουκκίδες. Έβαλε, εκτύπωσε και ζωγράφισε αυτές τις κουκκίδες σε πολλούς από τους πίνακές του, μετατρέποντάς τους στο δικό του τολμηρό στυλ υπογραφής, όπως φαίνεται στον πίνακα του 1963 Χωρίς τίτλο.

Ο Γερμανός καλλιτέχνης Gerhard Richter συνδέθηκε στενά με τον Polke και το καπιταλιστικό ρεαλιστικό κίνημα, μοιράζοντας με τον Polke μια αμοιβαία γοητεία για το πώς η τυπωμένη επιφάνεια θα μπορούσε να ενσωματωθεί στη ζωγραφική. Ο Ρίχτερ είναι ίσως ο πιο γνωστός για τις θολές φωτορεαλιστικές ζωγραφιές του, οι οποίες μιμούνται τόσο καλά την απαλή εστίαση της φωτογραφίας που συχνά το κάνει να αναρωτιέται αν ήταν πραγματικά ζωγραφισμένες. Το έργο του συνδέθηκε στενά με Αμερικανούς φωτορεαλιστές της δεκαετίας του 1960 και του 1970, οι οποίοι αναζητούσαν τρόπους για να μεταφέρουν επιμελώς τον έντονο ρεαλισμό της φωτογραφίας στη ζωγραφική.

Αλλά ο Ρίχτερ ακολούθησε μια πιο πειραματική προσέγγιση, συνδυάζοντας φωτογραφικά και ζωγραφικά εφέ μαζί, εκφράζοντας τον θαυμασμό του για το νέο κύμα τέχνης. Στη δεκαετία του 1970, ο Gerhard άρχισε να φωτογραφίζει τους δικούς του εκφραστικούς, αφηρημένους πίνακες και να δημιουργεί νέους με βάση αυτές τις φωτογραφίες. Όπως φαίνεται στο Abstract Painting # 439, 1978, η υγρή ρευστότητα του χρώματος συγχωνεύεται με τη γυαλιστερή, ανέγγιχτη επιφάνεια της φωτογραφίας, δημιουργώντας έναν ψηφιακό πίνακα. Τόσο ο Ρίχτερ όσο και ο Πόλκε είχαν ιδιαίτερα βαθιά επιρροή στους σύγχρονους καλλιτέχνες, οι οποίοι συνεχίζουν να αναπτύσσουν τις δεξιότητές τους και τις πειραματικές προσεγγίσεις τους στη δημιουργία ενός συγκεκριμένου έργου.

2. Κολάζ

Πολλοί σύγχρονοι καλλιτέχνες αντλούν τις ιστορίες τους από φωτογραφικές πηγές και όχι από άμεση παρατήρηση, αντικατοπτρίζοντας τη διείσδυση των έντυπων μέσων στην καθημερινή ζωή. Μερικοί από τους πιο περιπετειώδεις σύγχρονους καλλιτέχνες τονίζουν σκόπιμα την ψηφιακή φύση του αρχικού υλικού, τονίζοντας τις υφές και τις επιφάνειες της αρχικής εκτύπωσης και τις περικομμένες ή σκισμένες άκρες της.

Ο Βρετανός καλλιτέχνης Ντέξτερ Ντάλγουντ δημιουργεί πίνακες βασισμένους στα δικά του μικρά κολάζ, αναπαράγοντας σκόπιμα απότομες γραμμές ή ανώμαλα κενά χρώματος σε καμβά, δημιουργώντας έτσι περίεργα, απατηλά μέρη, όπως φάνηκε σε ένα από τα έργα του το 2004. Όπως ο Ντάλγουντ, ο Βρετανός καλλιτέχνης Neil Gull λατρεύει να εμβαθύνει στα οπτικά εφήμερα της καθημερινής ζωής, προσπαθώντας να τα ενσωματώσει όσο το δυνατόν πρωτότυπα στη ζωγραφική.

3. Υπολογιστές, εκτυπωτές και φωτοτυπικά

Ο χρόνος δεν μένει στάσιμος και οι καλλιτέχνες συνεχίζουν να πειραματίζονται με την παιχνιδιάρικη διχογνωμία μεταξύ ψηφιακής εκτύπωσης και ζωγραφικής. Ο Αμερικανός καλλιτέχνης Wade Guyton κάνει έργα που τυποποιούν τον όρο ψηφιακή ζωγραφική εκτυπώνοντας σε φύλλα καμβά χρησιμοποιώντας έναν εκτυπωτή inkjet ευρείας μορφής Epson Stylus Pro 9600. Τα υπογεγραμμένα γεωμετρικά σχέδια τετραγώνων, σταυρών και πλεγμάτων δημιουργούνται στον υπολογιστή πριν από την εκτύπωση σε καμβά, αλλά Πάνω απ 'όλα του αρέσουν οι τεχνικές βλάβες που συμβαίνουν στον εκτυπωτή πέρα από τον έλεγχό του, όταν ο καμβάς κολλάει και πρέπει να τραβηχτεί έξω και το μελάνι απλά αρχίζει να ρέει έξω, αναμειγνύοντας μεταξύ τους.

Η σύγχρονη Γερμανίδα καλλιτέχνης Charlene von Hale εργάζεται από τις εικόνες που βρέθηκαν, τις οποίες στη συνέχεια σκουραίνει και αφαιρεί κατά τη διαδικασία της ζωγραφικής. Από το 2001, πειραματίζεται με φωτοτυπικά μηχανήματα και πώς μπορούν να παραμορφώσουν και να μεταμορφώσουν τις υπάρχουσες εικόνες και να της παράσχουν μια ατελείωτη σειρά νέων υλικών για να συνεργαστούν για να δημιουργήσουν το δικό της στυλ ψηφιακής ζωγραφικής. Μερικές φορές δημιουργεί νέες εικόνες ζωγραφίζοντας πάνω από φωτοτυπίες, όπως φαίνεται σε πίνακα του 2003.

4. Πλωτές εικόνες

Ένας από τους πιο συναρπαστικούς καλλιτέχνες ψηφιακής ζωγραφικής σήμερα είναι η Αμερικανίδα καλλιτέχνης Jacqueline Humphries, της οποίας οι πίνακες απεικονίζουν τις ψηφιακές γλώσσες των κωδικών captcha, των emojis και των προγραμμάτων υπολογιστών. Τα περίπλοκα επαναλαμβανόμενα μοτίβα των κουκκίδων, των παύλων, των σταυρών και των emoji σχεδιάζονται με τη χρήση ενός βιομηχανικού κόφτη με στένσιλ, το οποίο στη συνέχεια υφαίνει με εξπρεσιονιστικές ρίγες χρώματος, συνδυάζοντας την ψηφιακή ζωγραφική με τα απρόβλεπτα χτυπήματα του χεριού της. Συγκρίνει αυτήν τη διαδικασία στρωματοποίησης με δραστηριότητα υπολογιστή πολλαπλών οθονών, όπου ο θεατής μπορεί να δει πολλές σελίδες ταυτόχρονα, τη μία πάνω στην άλλη.

Η περίφημη σειρά ζωγραφικής της Black Light μιμείται περαιτέρω την αισθητική των λαμπερών οθονών υπολογιστών βαμμένων με υπεριώδη βαφή σε τεράστιους καμβάδες που μπορούν να δουν μόνο σε ένα σκοτεινό δωμάτιο φωτισμένο από υπεριώδεις λάμπες, δίνοντάς της πίνακες όπως αποκαλεί «κινηματογραφική ποιότητα».

Η Αμερικανίδα αφηρημένη καλλιτέχνης Έιμι Σίλμαν είναι ίσως πιο γνωστή για τους χαλαρούς αυτοσχέδιους καμβάδες της που κατασκευάζονται από δίκτυα στρωματοποιημένων γραμμών, σχημάτων και ζωντανών χρωμάτων, αλλά έκανε επίσης ζωντανές κινούμενες εικόνες που ζωντανεύουν την οπτική της γλώσσα. Το έργο κινουμένων σχεδίων "Δεκατρία πιθανά μέλλοντα: Κινούμενα σχέδια για έναν πίνακα ζωγραφικής", 2012, έγινε με την εφαρμογή σχεδίασης iPad. Στη συνέχεια, ο Σίλμαν εκτύπωσε κάθε καρέ του κινούμενου σχεδίου και τα μετέτρεψε σε μια τεράστια εγκατάσταση, επιτρέποντας στον θεατή να ρίξει μια ματιά στα παρασκήνια της ευρύτερης διαδικασίας λήψης αποφάσεων που δημιουργεί ένα μοναδικό έργο τέχνης.

5. Το μέλλον της ψηφιακής ζωγραφικής

Καθώς προχωράμε σε ένα μέλλον αναπτυσσόμενης τεχνολογικής ανάπτυξης, δεν υπάρχει αμφιβολία ότι το πεδίο της ψηφιακής ζωγραφικής θα συνεχίσει να επεκτείνεται σε νέες και συναρπαστικές κατευθύνσεις. Ο Βρετανός καλλιτέχνης Γκλεν Μπράουν βλέπει τον μελλοντικό ρόλο της ζωγραφικής στην επανεργασία και την εκ νέου φαντασία της ιστορίας της τέχνης του παρελθόντος, μετατρέποντάς την σε κάτι νέο. Οι πίνακές του αντιγράφουν και ξανακάνουν προηγούμενους πίνακες, παλιούς και νέους, από τον Rembrandt van Rijn στον Frank Auerbach, με τη βοήθεια διαφόρων ειδών φίλτρων τους φέρνει στην τελειότητα, εισπνέοντας εντελώς νέα ζωή και νόημα σε αυτούς.

Η ανθρώπινη φαντασίωση δεν γνωρίζει όρια, ειδικά όταν πρόκειται για δημιουργικότητα και τέχνη. Καλλιτέχνες, φωτογράφοι και γλύπτες από όλο τον κόσμο δεν παύουν να εκπλήσσουν το κοινό με τα έργα τους, τα οποία, εγείροντας πολλά ερωτήματα, συχνά παραμένουν αναπάντητα. Οι ιλιγγιώδεις ψευδαισθήσεις τέχνης δεν αποτελούσαν εξαίρεση., κοιτάζοντας το οποίο η γη κυριολεκτικά φεύγει από κάτω από τα πόδια μας.