9 αριστουργήματα λαμπρών καλλιτεχνών που ενέπνευσαν μεγάλους σχεδιαστές μόδας και δημιούργησαν μοναδικές συλλογές

2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02

Σε όλη την ιστορία, η μόδα και η τέχνη έχουν πάει χέρι -χέρι για να δημιουργήσουν έναν υπέροχο συνδυασμό. Πολλοί σχεδιαστές μόδας έχουν δανειστεί ιδέες από καλλιτεχνικά κινήματα για τις συλλογές τους, κάτι που επέτρεψε στη μόδα να ερμηνευτεί ως μια μορφή τέχνης που χρησιμεύει κυρίως για την έκφραση ιδεών και οραμάτων. Επηρεασμένοι από αυτό, ορισμένοι διεθνώς αναγνωρισμένοι σχεδιαστές μόδας δημιούργησαν εξαιρετικές συλλογές βασισμένες στα καλλιτεχνικά κινήματα του 20ού αιώνα.

1. Madeleine Vionne

Γεννημένη στη βορειοκεντρική Γαλλία το 1876, η Madame Madeleine Vionne ήταν γνωστή ως «θεά του στυλ και βασίλισσα του ράφτη». Κατά τη διάρκεια της παραμονής της στη Ρώμη, γοητεύτηκε από την τέχνη και τον πολιτισμό του ελληνικού και ρωμαϊκού πολιτισμού και εμπνεύστηκε από αρχαίες θεές και αγάλματα. Με βάση αυτά τα έργα τέχνης, διαμόρφωσε την αισθητική του στυλ της και συνδύασε στοιχεία της ελληνικής γλυπτικής και αρχιτεκτονικής για να δώσει μια νέα διάσταση στο γυναικείο σώμα. Με την ικανότητά της να ντύνει και να γέρνει φορέματα, η Madeleine έφερε επανάσταση στη σύγχρονη μόδα. Συχνά συμβουλευόταν έργα τέχνης όπως η Φτερωτή Νίκη της Σαμοθράκης για τις συλλογές τέχνης της.

Οι ομοιότητες μεταξύ του αριστουργήματος της ελληνιστικής τέχνης και της μούσας της Vionne είναι εντυπωσιακές. Το βαθύ ντύσιμο του υφάσματος στο στυλ του ελληνικού χιτώνα δημιουργεί κάθετες λωρίδες φωτός που ρέουν κάτω από τη φιγούρα. Το γλυπτό δημιουργήθηκε ως φόρος τιμής στη Νίκη, την Ελληνίδα θεά της νίκης, και θαυμάζεται για τη ρεαλιστική απεικόνιση της κίνησης. Η ρέουσα κουρτίνα του σχεδίου Vionnet θυμίζει την κίνηση του αναδιπλούμενου υφάσματος που κολλάει στο σώμα της Nike. Τα φορέματα μπορεί να είναι σαν ζωντανά όντα με ψυχή, σαν σώμα. Όπως και η Φτερωτή Νίκη της Σαμοθράκης, έτσι και η Μάντλεϊν δημιούργησε φορέματα που ξυπνούν την ανθρώπινη ουσία κρυμμένη βαθιά μέσα της. Ο κλασικισμός, τόσο αισθητική όσο και σχεδιαστική φιλοσοφία, έδωσε στη Vionne την ευκαιρία να μεταφέρει το όραμά της σε γεωμετρική αρμονία.

Γοητεύτηκε επίσης από κινήματα σύγχρονης τέχνης όπως ο Κυβισμός. Η Madeleine άρχισε να ενσωματώνει γεωμετρικά σχήματα στις δημιουργίες της και υιοθέτησε μια άλλη μέθοδο κοπής τους που ονομάζεται λοξότμηση. Φυσικά, η Vionne δεν ισχυρίστηκε ποτέ ότι εφηύρε την πλάγια περικοπή, αλλά επέκτεινε μόνο τη χρήση της. Καθώς οι γυναίκες σημείωσαν μεγάλη πρόοδο στον αγώνα για τα δικαιώματά τους στις αρχές του εικοστού αιώνα, η Μαντλίν υπερασπίστηκε την ελευθερία τους καταργώντας τον μακροχρόνιο βικτοριανό κορσέ από την καθημερινή χρήση των γυναικών. Ως εκ τούτου, έγινε σύμβολο της απελευθέρωσης των γυναικών από τον περιορισμό του μπουστάκι και απελευθέρωσε νέα, ελαφρύτερα υφάσματα που κυλούσαν κυριολεκτικά στο γυναικείο σώμα.

2. Πιερπαόλο Πικιόλι

Ο Pierpaolo Piccioli είναι ο κύριος σχεδιαστής του Valentino και έλκεται πολύ από τα θρησκευτικά έργα του Μεσαίωνα. Η αφετηρία έμπνευσης για αυτόν είναι η μεταβατική στιγμή από τον Μεσαίωνα στη Βόρεια Αναγέννηση. Συνεργάστηκε με τη Zandra Rhodes και μαζί ανέπτυξαν μια εμπνευσμένη συλλογή την Άνοιξη του 2017. Ο Πικιόλι ήθελε να συνδέσει την πανκ κουλτούρα στα τέλη της δεκαετίας του '70 με τον ανθρωπισμό και τη μεσαιωνική τέχνη, έτσι επέστρεψε στις ρίζες του και στην Αναγέννηση, βρίσκοντας έμπνευση στον πίνακα του Ιερώνυμου Μπός Ο κήπος των γήινων απολαύσεων.

Ο διάσημος Ολλανδός ζωγράφος ήταν ένας από τους σημαντικότερους εκπροσώπους της Βόρειας Αναγέννησης τον 16ο αιώνα. Στον "Κήπο των επίγειων απολαύσεων", που ζωγράφισε ο Bosch πριν από τη Μεταρρύθμιση, ο καλλιτέχνης ήθελε να απεικονίσει τον Παράδεισο και τη δημιουργία της ανθρωπότητας, τον πρώτο πειρασμό του Αδάμ και της Εύας, καθώς και την Κόλαση, προβλέποντας τους αμαρτωλούς. Στο κεντρικό παράθυρο, οι άνθρωποι φαίνεται να ικανοποιούν τις ορέξεις τους σε έναν κόσμο ευχαρίστησης. Η εικονογραφία της Bosch ξεχωρίζει για την πρωτοτυπία και τον αισθησιασμό της. Η όλη εικόνα ερμηνεύεται ως αλληγορία της αμαρτίας.

Στον κόσμο της μόδας, ο πίνακας κέρδισε δημοτικότητα καθώς διάφοροι σχεδιαστές μόδας γοητεύτηκαν από τα κίνητρά του. Συνδυάζοντας εποχές και αισθητική, ο Piccioli ερμήνευσε ξανά τα σύμβολα της Bosch με ιπτάμενα διαφανή φορέματα, ενώ η Ρόδος δημιούργησε ρομαντικές εκτυπώσεις και κεντημένα μοτίβα ελαφρώς παρόμοια με το αρχικό έργο τέχνης. Τα χρώματα ήταν σίγουρα μέρος του μηνύματος που ήθελαν να μεταδώσουν οι σχεδιαστές. Έτσι, η συλλογή ιπτάμενων ονειρεμένων φορεμάτων βασίζεται στη βόρεια παλέτα χρωμάτων από πράσινα μήλα, ανοιχτό ροζ και μπλε αυγά robin.

3. Ντόλτσε και Γκαμπάνα

Ο Peter Paul Rubens ζωγράφισε αριστοτεχνικά τις γυναίκες με αγάπη, μάθηση και επιμέλεια. Παρουσίασε την «Αφροδίτη μπροστά στον καθρέφτη» ως το υπέρτατο σύμβολο της ομορφιάς. Ο Peter απεικόνισε αποκλειστικά το ανοιχτόχρωμο πρόσωπο και τα ξανθά μαλλιά της, που έρχονται σε αντίθεση με τη μελαχρινή υπηρέτρια. Ο καθρέφτης είναι ένα απόλυτο σύμβολο ομορφιάς, που πλαισιώνει μια γυναίκα σαν ένα πορτρέτο, και ταυτόχρονα υπογραμμίζει διακριτικά τη γυμνότητα της φιγούρας. Ο καθρέφτης που κρατά ο Έρως για τη θεά δείχνει την αντανάκλαση της Αφροδίτης ως αναπαράσταση της ερωτικής έλξης και επιθυμίας. Ο Rubens, ο οποίος ήταν ένας από τους ιδρυτές της μπαρόκ τέχνης, και η ιδέα του "χρώματα πάνω από γραμμές" επηρέασε αρκετούς σχεδιαστές μόδας, συμπεριλαμβανομένων των Dolce & Gabbana. Το μπαρόκ στυλ παρέκκλινε από το πνεύμα της Αναγέννησης, εγκατέλειψε τη γαλήνη και την κομψότητα και αντ 'αυτού αναζητούσε την κομψότητα, τον ενθουσιασμό και την κίνηση.

Οι σχεδιαστές μόδας Domenico Dolce και Stefano Gabbana ήθελαν να δημιουργήσουν μια καμπάνια που θα γιορτάσει την αισθησιακή αλλά και τη ρομαντική πλευρά της γυναικείας ομορφιάς. Ο Peter Paul Rubens ήταν η καταλληλότερη πηγή έμπνευσης. Οι δημιουργίες του cult δίδυμου ήταν σε μεγάλη αρμονία με την τέχνη του Φλαμανδού καλλιτέχνη. Σε αυτή τη συλλογή, τα μοντέλα πόζαραν με μεγάλη αρχοντιά, μοιάζοντας σαν να είχαν μόλις κατεβάσει έναν από τους πίνακες του Ρούμπενς. Οι διακοσμήσεις σχεδιάστηκαν για να μοιάζουν με μπαρόκ καθρέφτες και λεπτομέρειες κεντήματος. Η χαριτωμένη φιγούρα και η παστέλ χρωματική παλέτα τονίστηκαν υπέροχα από το μπροκάρ ροζ φόρεμα. Η επιλογή των σχεδιαστών μόδας να συμπεριλάβουν μια ποικιλία μοντέλων συνέβαλε περαιτέρω στον σωματότυπο εκείνης της εποχής. Οι καμπύλες γραμμές που χρησιμοποίησαν οι Dolce και Gabbana ήταν αντίθετες με τις διακρίσεις διαφορετικών τύπων σώματος στη βιομηχανία της μόδας.

Η συλλογή Dolce and Gabbana Women Fall 2012 παρουσιάζει πολλά από τα χαρακτηριστικά της ιταλικής μπαρόκ αρχιτεκτονικής. Αυτή η συλλογή ταιριάζει απόλυτα με τα πλούσια διακοσμημένα χαρακτηριστικά του σικελικού μπαρόκ στιλ. Οι σχεδιαστές επικεντρώθηκαν στην μπαρόκ αρχιτεκτονική, όπως φαίνεται στις καθολικές εκκλησίες της Σικελίας. Το σημείο αναφοράς ήταν ο πίνακας του Rubens "Πορτρέτο της Άννας της Αυστρίας". Στο βασιλικό πορτρέτο της, η Άννα της Αυστρίας απεικονίζεται με ισπανική μόδα. Το μαύρο φόρεμα της Άννας είναι διακοσμημένο με κάθετες ρίγες από πράσινο κέντημα και χρυσές λεπτομέρειες. Έντεχνα σχεδιασμένα φορέματα και κάπες από πολυτελή υφάσματα όπως δαντέλα και μπροκάρ έχουν γίνει το κύριο χαρακτηριστικό της παράστασης Dolce and Gabbana, οι οποίοι κατέκτησαν τον κόσμο με τη δημιουργικότητά τους.

4. Cristobal Balenciaga

Ο Cristobal Balenciaga μπορεί να ονομαστεί ένας πραγματικός δάσκαλος που μεταρρύθμισε τη γυναικεία μόδα στον εικοστό αιώνα. Γεννημένος σε ένα μικρό χωριό στην Ισπανία, έφερε την ουσία της ιστορίας της τέχνης της Ισπανίας στα σύγχρονα έργα του. Καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας του, ο Balenciaga εντυπωσιάστηκε από την Ισπανική Αναγέννηση. Συχνά αναζητούσε έμπνευση από την ισπανική βασιλική οικογένεια και τα μέλη του κλήρου. Ο σχεδιαστής μόδας μετέτρεψε τα εκκλησιαστικά είδη και τα μοναστικά ρούχα της εποχής σε φορετά αριστουργήματα μόδας.

Μία από τις μεγάλες εμπνεύσεις του ήταν ο μανιερίστας Ελ Γκρέκο, γνωστός και ως Δομίνικος Θεοτοκόπουλος. Κοιτάζοντας τον καρδινάλιο El Greco Fernando Niño de Guevara, μπορείτε να δείτε τις ομοιότητες μεταξύ του ακρωτηρίου του καρδινάλιου και του σχεδίου του Balenciaga. Ο πίνακας απεικονίζει τον Ισπανό καρδινάλιο Fernando Niño de Guevara της εποχής του El Greco στο Τολέδο. Οι ιδέες του Ελ Γκρέκο δανείστηκαν από τον Νεοπλατωνισμό της Ιταλικής Αναγέννησης και σε αυτό το πορτρέτο παρουσιάζει τον καρδινάλιο ως σύμβολο της χάρης του Θεού. Ο μανιερισμός είναι παρών σε ολόκληρη την εικόνα. Αυτό είναι αισθητό σε μια επιμήκη φιγούρα με μικρό κεφάλι, χαριτωμένα αλλά περίεργα άκρα, έντονα χρώματα και απόρριψη κλασικών μέτρων και αναλογιών.

Το πάθος του Balenciaga για τα ιστορικά ρούχα είναι εμφανές σε αυτό το εξωφρενικό βραδινό παλτό από τη συλλογή του το 1954. Είχε το όραμα και την ικανότητα να εφεύρει σχήματα στη σύγχρονη μόδα. Ο υπερβολικός γιακάς αυτού του παλτό απηχεί το φαρδύ στυλ ενός ακρωτηρίου ενός καρδινάλιου. Το κόκκινο χρώμα των ρούχων του καρδινάλιου συμβολίζει το αίμα και την προθυμία του να πεθάνει για την πίστη. Το ζωντανό κόκκινο θεωρήθηκε από τον διάσημο σχεδιαστή ως εξαιρετικό, καθώς συχνά προτιμούσε τολμηρούς συνδυασμούς χρωμάτων και ζωντανές αποχρώσεις. Η μεγάλη του καινοτομία ήταν η εξάλειψη της μέσης και η εισαγωγή γραμμών που ρέουν, απλά κοψίματα και μανίκια τριών τετάρτων. Με αυτόν τον τρόπο, ο Balenciaga έφερε επανάσταση στη γυναικεία μόδα.

Ο σχεδιαστής παρουσίασε επίσης μανίκια σε μήκος βραχιόλι που επέτρεπαν στις γυναίκες να εκθέσουν τα κοσμήματά τους. Στη δεκαετία του 1960, με τη σταδιακή εισαγωγή των γυναικών στον εργασιακό κλάδο, ο Balenciaga είχε μια ιδέα να δώσει άνεση, ελευθερία και λειτουργικότητα στις γυναίκες που ντύθηκε. Προώθησε χαλαρά, άνετα φορέματα που είχαν αντίθεση με τις σιλουέτες της εποχής που ταιριάζουν στη φόρμα.

5. Alexander McQueen

Ο Αυστριακός καλλιτέχνης, κύριος του συμβολισμού και ιδρυτής του κινήματος της απόσχισης της Βιέννης, ο Γκούσταβ Κλιμτ έθεσε τα θεμέλια για την ιστορία της τέχνης του 20ού αιώνα. Οι πίνακές του και η καλλιτεχνική του αισθητική έχουν εμπνεύσει εδώ και καιρό τους σχεδιαστές μόδας. Άλλοι όπως οι Aquilano Rimondi, L'Rene Scott και Christian Dior, ο σχεδιαστής που αναφέρθηκε άμεσα στον Klimt ήταν ο Alexander McQueen. Στη συλλογή Resort Spring / Summer 2013, έχει σχεδιάσει μοναδικά κομμάτια που φαίνεται να είναι εμπνευσμένα από το έργο του καλλιτέχνη. Κοιτάζοντας ένα ρούχο μαύρο φόρεμα με επαναλαμβανόμενο χρυσό μοτίβο στην κορυφή - μια συγκεκριμένη εικόνα μπορεί να έρθει στο μυαλό σας. Ο McQueen έχει χρησιμοποιήσει αφηρημένα, γεωμετρικά και ψηφιδωτά σχέδια σε χάλκινους και χρυσούς τόνους, ενσωματώνοντάς τα στα σχέδιά του.

Το 1905, ο Γκούσταβ Κλιμτ ζωγράφισε τον πίνακα "Η αγκαλιά", που απεικονίζει ένα ζευγάρι πιασμένο σε μια απαλή αγκαλιά, το οποίο έγινε σύμβολο αγάπης. Ο Αυστριακός καλλιτέχνης είναι γνωστός για τους χρυσούς πίνακές του, καθώς και για τον τέλειο συνδυασμό αφαίρεσης και χρώματος που υπάρχει σε αυτά τα έργα. Όλα τα ψηφιδωτά έχουν πλούσιους χρυσούς τόνους με καλειδοσκοπική ή φυσική διακόσμηση που είχαν μεγάλη επιρροή στη μόδα. Αυτός ο πίνακας είναι εντυπωσιακός λόγω των αντίθετων γεωμετρικών σχημάτων μεταξύ των ρούχων των δύο εραστών. Τα ανδρικά ρούχα αποτελούνται από μαύρα, λευκά και γκρι τετράγωνα, ενώ το γυναικείο φόρεμα είναι διακοσμημένο με οβάλ κύκλους και λουλουδάτα μοτίβα. Έτσι, ο Κλιμτ απεικονίζει αριστοτεχνικά τη διαφορά μεταξύ αρρενωπότητας και θηλυκότητας. Ο Αλέξανδρος υιοθέτησε κάτι παρόμοιο για τα ρούχα του.

6. Christian Dior

Ο ιδρυτής του ιμπρεσιονισμού και ένας από τους μεγαλύτερους Γάλλους ζωγράφους στην ιστορία της τέχνης, ο Κλοντ Μονέ άφησε πίσω του μια μεγάλη καλλιτεχνική κληρονομιά. Χρησιμοποιώντας το σπίτι και τον κήπο του στο Giverny για έμπνευση, ο Monet αποτύπωσε το φυσικό τοπίο στους πίνακές του. Συγκεκριμένα, στον πίνακα "The Artist's Garden at Giverny" κατάφερε να χειριστεί το φυσικό τοπίο σύμφωνα με τις ανάγκες του. Η αντίθεση της καστανής βρωμιάς με το ζωντανό χρώμα των λουλουδιών συμπληρώνει τη σκηνή. Ο διάσημος ιμπρεσιονιστής επέλεγε συχνά το λουλούδι της ίριδας λόγω του μωβ χρώματος του για να δημιουργήσει την επίδραση ενός λαμπρού ήλιου. Αυτός ο πίνακας είναι γεμάτος ζωή καθώς τα λουλούδια ανθίζουν και χαιρετούν, αγκαλιάζοντας την άνοιξη. Τριαντάφυλλα και λιλά πέταλα, ίριδες και γιασεμί είναι μέρος ενός πολύχρωμου παραδείσου που απεικονίζεται σε λευκό καμβά.

Στο ίδιο πνεύμα, ο Christian Dior, πρωτοπόρος της γαλλικής μόδας, άφησε ένα τεράστιο στίγμα στον κόσμο της μόδας που γίνεται αισθητό ακόμα και σήμερα. Το 1949 σχεδίασε μια συλλογή υψηλής ραπτικής για την εποχή άνοιξη / καλοκαίρι. Ένα από τα κυριότερα σημεία αυτής της έκθεσης ήταν το εμβληματικό φόρεμα Dior, εντελώς κεντημένο με πέταλα λουλουδιών σε διάφορες αποχρώσεις του ροζ και του μωβ. Ο Dior απεικόνισε τέλεια τους δύο κόσμους της τέχνης και της μόδας και μιμήθηκε την αισθητική του Monet σε αυτό το λειτουργικό φόρεμα. Πέρασε πολύ χρόνο στην ύπαιθρο, ζωγραφίζοντας τις συλλογές του στον κήπο του στο Γκράνβιλ, όπως έκανε ο Μονέ. Έτσι, καθόρισε το κομψό στυλ Dior ενσωματώνοντας την παλέτα χρωμάτων του Μονέ και τα λουλουδάτα μοτίβα στις δημιουργίες του.

7. Yves Saint Laurent

Ο Mondrian ήταν ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες που δημιούργησαν αφηρημένη τέχνη τον 20ό αιώνα. Γεννημένος στην Ολλανδία το 1872, ίδρυσε ένα ολόκληρο καλλιτεχνικό κίνημα που ονομάζεται De Stijl. Ο στόχος του κινήματος ήταν να ενώσει τη σύγχρονη τέχνη και τη ζωή. Αυτό το στυλ, γνωστό και ως νεοπλαστισμός, ήταν μια μορφή αφηρημένης τέχνης στην οποία η χρήση μόνο γεωμετρικών αρχών και βασικών χρωμάτων όπως το κόκκινο, το μπλε και το κίτρινο συνδυάστηκε με ουδέτερα (μαύρο, γκρι και λευκό). Το πρωτοποριακό στυλ του Πιτ στις αρχές του 1900 ανάγκασε τους σχεδιαστές μόδας να αναπαράγουν αυτόν τον καθαρό τύπο αφηρημένης τέχνης. Το καλύτερο παράδειγμα αυτού του στυλ ζωγραφικής είναι η σύνθεση με κόκκινο, μπλε και κίτρινο χρώμα.

Λάτρης της τέχνης, ο Γάλλος σχεδιαστής μόδας Yves Saint Laurent ενσωμάτωσε τους πίνακες του Mondrian στις δημιουργίες της υψηλής ραπτικής. Εμπνεύστηκε για πρώτη φορά από τη δουλειά του Pete όταν διάβασε ένα βιβλίο για τη ζωή του καλλιτέχνη που του χάρισε η μητέρα του για τα Χριστούγεννα. Εμπνευσμένος από τις γεωμετρικές γραμμές και τα έντονα χρώματα του καλλιτέχνη, παρουσίασε έξι φορέματα κοκτέιλ που γιόρτασαν το εμβληματικό του στυλ και την εποχή του εξήντα γενικότερα. Κάθε ένα από τα φορέματα του Mondrian ήταν ελαφρώς διαφορετικό, αλλά όλα είχαν ένα απλό σχήμα σε γραμμή Α και ένα μήκος χωρίς γόνατο χωρίς μανίκια που ήταν ιδανικό για κάθε σωματότυπο.

8. Έλσα Σκιαπαρέλλη

Η Έλσα Σκιαπαρέλλη, γεννημένη το 1890 σε αριστοκρατική οικογένεια στη Ρώμη, σύντομα εξέφρασε την αγάπη της για τον κόσμο της μόδας. Άρχισε να αναπτύσσει το επαναστατικό της στυλ, εμπνευσμένο από τον φουτουρισμό, το ντάντα και τον υπερρεαλισμό. Καθώς η καριέρα της προχωρούσε, αλληλεπιδρούσε με διάσημους σουρεαλιστές και ντανταϊστές όπως ο Salvador Dali, ο Man Ray, ο Marcel Duchamp και ο Jean Cocteau. Συνεργάστηκε ακόμη και με τον Ισπανό καλλιτέχνη Salvador Dali.

Μια από τις μεγαλύτερες συνεργασίες στην ιστορία της μόδας ήταν η συνεργασία μεταξύ του Νταλί και της Έλσα Σκιαπαρέλλη. Αυτό το φόρεμα δημιουργήθηκε με τον Salvador Dali ως μέρος της συλλογής τσίρκου της Schiaparelli το καλοκαίρι του 1938. Το φόρεμα αναφέρεται στον πίνακα του Νταλί, στον οποίο απεικόνιζε γυναίκες με παραμορφωμένες αναλογίες σώματος.

Για τους σουρεαλιστές καλλιτέχνες, η αναζήτηση της ιδανικής γυναίκας ήταν καταδικασμένη σε αποτυχία, αφού το ιδανικό υπήρχε μόνο στη φαντασία τους, όχι στην πραγματικότητα. Ωστόσο, δεν ήταν η πρόθεση του Νταλί να απεικονίσει τις γυναίκες ρεαλιστικά, οπότε το σώμα τους δεν είναι καθόλου αισθητικό. Ο Σκιαπαρέλι ήθελε να πειραματιστεί με αυτό το παιχνίδι της απόκρυψης και αποκάλυψης του σώματος, δημιουργώντας την ψευδαίσθηση της ευπάθειας και της ανασφάλειας. Το φόρεμα με την ψευδαίσθηση των δακρύων φτιάχτηκε από ανοιχτό μπλε κρέπα μεταξιού, αποτίοντας φόρο τιμής στον Σαλβαδόρ και τις δυσανάλογες γυναίκες του.

9. Τζιάνι Βερσάτσε

Η εποχή της Pop Art ήταν ίσως η πιο σημαντική περίοδος για τους σχεδιαστές μόδας και τους καλλιτέχνες στην ιστορία της τέχνης. Ο Andy Warhol πρωτοστάτησε στο μείγμα της ποπ κουλτούρας και της υψηλής μόδας, καθιστώντας τον ένα εμβληματικό σύμβολο της ποπ αρτ κίνησης. Στη δεκαετία του εξήντα, ο Warhol άρχισε να εξασκεί την τεχνική της υπογραφής του, γνωστή ως μεταξοτυπία.

Ένα από τα πρώτα και αναμφίβολα τα πιο διάσημα έργα του ήταν το Marilyn Diptych. Για αυτό το κομμάτι, άντλησε έμπνευση όχι μόνο από την ποπ κουλτούρα, αλλά και από την ιστορία της τέχνης και τους αφηρημένους εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες. Ο Andy απαθανάτισε τους δύο κόσμους της Marilyn Monroe, την κοινωνική ζωή ενός σταρ του Χόλιγουντ και την τραγική πραγματικότητα της Norma Jeane, μιας γυναίκας που πάλευε με την κατάθλιψη και τον εθισμό. Το δίπτυχο εντείνει τη δόνηση στα αριστερά, ενώ στα δεξιά εξαφανίζεται στο σκοτάδι και την αφάνεια. Σε μια προσπάθεια να εκπροσωπήσει μια καταναλωτική κοινωνία και τον υλισμό, παρουσίασε τα άτομα ως προϊόντα και όχι ως ανθρώπους.

Ο Ιταλός σχεδιαστής Gianni Versace είχε μια μακρόχρονη φιλία με τον Andy Warhol. Και οι δύο άντρες γοητεύτηκαν από τη λαϊκή κουλτούρα. Για να τιμήσει τον Γουόρχολ, ο Βερσάτσε του αφιέρωσε τη συλλογή του Άνοιξη / Καλοκαίρι 1991. Ένα από τα φορέματα είχε εκτυπώσεις Warhol με Marilyn Monroe. Ενσωμάτωσε τα ζωντανά μεταξωτά πορτρέτα της Marilyn και του James Dean από τη δεκαετία του 1960 σε φούστες και maxi φορέματα.

Και συνεχίζοντας το θέμα της μόδας, της ομορφιάς και των εξαιρετικών ιδεών, διαβάστε επίσης για το πώς οι σύγχρονοι καλλιτέχνες έχουν μετατρέψει το μακιγιάζ σε πραγματικό έργο τέχνης.