Πώς 7 μεγάλοι εξπρεσιονιστές ζωγράφοι κατέκτησαν τον κόσμο, τα έργα των οποίων εκτιμώνται σε όλο τον κόσμο: Μουνκ, Καντίνσκι κ.λπ

2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02

Το έργο των εξπρεσιονιστών καλλιτεχνών είναι ένα μυστήριο που είναι τόσο δύσκολο να λυθεί και οι εικόνες που δημιουργούν είναι τόσο πολύπλευρες και αντιφατικές που, κοιτάζοντάς τες, υπάρχει ένα μέρος για να περιπλανηθεί η φαντασία. Η έμφαση στα χρώματα, τις σπασμένες γραμμές και τα σκισμένα κτυπήματα είναι μόνο ένα μικρό μέρος αυτού που, από τα πρώτα κιόλας δευτερόλεπτα, τραβάει την προσοχή του θεατή, τραβώντας τον στον εκκεντρικό κόσμο της τέχνης, όπου όλα δεν είναι τόσο απλά όσο φαίνονται με την πρώτη ματιά, επειδή κάθε πίνακας έχει τη δική του ιστορία και κάθε καλλιτέχνης έχει το δικό του αξεπέραστο και αναγνωρίσιμο ύφος, το οποίο έχει γίνει μια κάρτα επίσκεψης εδώ και αιώνες …

1. Έντβαρντ Μουνκ

Ο Έντβαρντ Μουνκ, ο οποίος δεν παντρεύτηκε ποτέ, αποκάλεσε τους πίνακές του παιδιά του και μισούσε τον χωρισμό τους. Ζώντας μόνος στο κτήμα του κοντά στο Όσλο τα τελευταία είκοσι επτά χρόνια της ζωής του, όλο και πιο σεβαστός και όλο και πιο απομονωμένος, περιτριγυρίστηκε με δουλειά που χρονολογείται από την αρχή της πολύχρονης καριέρας του. Μετά το θάνατό του το 1944, σε ηλικία ογδόντα ετών, οι αρχές βρήκαν πίσω από κλειδωμένες πόρτες στον δεύτερο όροφο του σπιτιού του μια συλλογή με περισσότερους από χίλιους πίνακες, τεσσεράμισι χιλιάδες σχέδια και σχεδόν δεκαπέντεμισι χιλιάδες εκτυπώσεις, όπως καθώς και ξυλογραφίες, χαρακτικά, λιθογραφίες.λιθογραφικές πέτρες, ξυλογραφίες, πλάκες χαλκού και φωτογραφίες. Ωστόσο, στην τελευταία ειρωνεία της δύσκολης ζωής του, ο Μουνκ είναι γνωστός σήμερα ως ο δημιουργός μιας εικόνας που επισκίασε το συνολικό του επίτευγμα ως πρωτοπόρος και σημαντικός καλλιτέχνης και τυπογράφος.

Η Κραυγή του είναι μια εικόνα της σύγχρονης τέχνης, ένας πίνακας που απεικονίζει ένα ασεξουαλικό πλάσμα με εμβρυϊκό πρόσωπο, με το στόμα ορθάνοιχτο και τα μάτια ορθάνοιχτα σε μια κραυγή τρόμου, αναδημιούργησε ένα όραμα που τον έπιασε ένα βράδυ στα νιάτα του όταν περπατούσε με δύο φίλους. Στο ηλιοβασίλεμα.

Στο Ackley, ασχολήθηκε με τη ζωγραφική τοπίου, απεικονίζοντας την ύπαιθρο και την αγροτική ζωή γύρω του, πρώτα σε χαρούμενα χρώματα και στη συνέχεια σε πιο σκούρα. Επέστρεψε επίσης στις αγαπημένες του εικόνες, δημιουργώντας νέες εκδοχές μερικών από τους πίνακες.

Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, ο καλλιτέχνης υποστήριξε τα επιζώντα μέλη της οικογένειάς του οικονομικά και επικοινωνούσε μαζί τους μέσω ταχυδρομείου, προτιμώντας να μην τα επισκεφτεί. Περνούσε τον περισσότερο χρόνο του μόνος, περιγράφοντας τα βάσανα και τον εξευτελισμό των προχωρημένων του χρόνων. Όταν χτυπήθηκε από τη σχεδόν θανατηφόρα γρίπη κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Πανδημίας, απαθανάτισε τη λεπτή, γενειοφόρη φιγούρα του σε μια σειρά αυτοπροσωπογραφιών, μόλις μπορούσε να πάρει ένα πινέλο.

Επιπλέον, ζωγράφισε έναν αριθμό αυτοπροσωπογραφιών, σε ένα από αυτά με τίτλο "Μεταξύ του ρολογιού και του κρεβατιού", που χρονολογείται από το 1940-1942, λίγο πριν από το θάνατό του, ο θεατής βλέπει τι απέγινε ένας άνθρωπος που, όπως έγραψε, έμεινε πίσω από το «Dance of life».

Παγωμένος και αμήχανος σωματικά, στέκεται στριμωγμένος ανάμεσα στο ρολόι του παππού του και το κρεβάτι, σαν να ζητούσε συγγνώμη που έπαιρνε τόσο πολύ χώρο. Στον τοίχο πίσω του ήταν τα «παιδιά» του, το ένα πάνω από το άλλο. Ως αφοσιωμένος γονιός, θυσίασε τα πάντα για αυτούς …

2. Βασίλι Καντίνσκι

Ένας από τους πρωτοπόρους της αφηρημένης σύγχρονης τέχνης, ο Wassily Kandinsky χρησιμοποίησε την υποβλητική σχέση χρώματος και σχήματος για να δημιουργήσει μια αισθητική εμπειρία που περιελάμβανε την όραση, τον ήχο και τα συναισθήματα του κοινού. Πίστευε ότι η πλήρης αφαίρεση επιτρέπει βαθιά, υπερβατική έκφραση και ότι η αντιγραφή από τη φύση παρεμβαίνει μόνο σε αυτή τη διαδικασία.

Εμπνευσμένος από τη δημιουργία τέχνης που θα έδινε μια καθολική αίσθηση πνευματικότητας, εισήγαγε μια νέα εικονογραφική γλώσσα που συνδέθηκε ελάχιστα με τον έξω κόσμο, αλλά εξέφρασε πολλά για την εσωτερική εμπειρία του καλλιτέχνη. Το οπτικό του λεξιλόγιο αναπτύχθηκε σε τρία στάδια, μετακινώντας από τους πρώτους, παραστατικούς καμβάδες και τον θεϊκό συμβολισμό τους στις ενθουσιώδεις και οπερατικές συνθέσεις του, καθώς και τις μεταγενέστερες, γεωμετρικές και βιομορφικές επίπεδες απεικονίσεις του. Η τέχνη και οι ιδέες του Βασίλι έχουν εμπνεύσει γενιές καλλιτεχνών, από τους μαθητές του στο Bauhaus έως τους αφηρημένους εξπρεσιονιστές μετά τον Β’Παγκόσμιο Πόλεμο.

3. Έγκον Σίλε

Με το γραφικό του στιλ, που περιλάμβανε την εικονιστική παραμόρφωση και την τολμηρή αψηφία των συμβατικών κανόνων ομορφιάς, ο Έγκον Σίλε ήταν μία από τις κορυφαίες προσωπικότητες του αυστριακού εξπρεσιονισμού.

Τα πορτρέτα και οι αυτοπροσωπογραφίες του, οι φλεγόμενες μελέτες για την ψυχή και την οικειότητα των καθιστών του, είναι μερικά από τα πιο εντυπωσιακά και αξέχαστα έργα του 20ού αιώνα. Ο καλλιτέχνης, εντυπωσιακά παραγωγικός κατά τη διάρκεια της σύντομης καριέρας του, είναι διάσημος όχι μόνο για το ψυχολογικά και ερωτικά πλούσιο έργο του, αλλά και για την ενδιαφέρουσα βιογραφία του: ο άθλιος τρόπος ζωής του χαρακτηρίζεται από σκάνδαλο, τη φήμη και έναν τραγικά πρόωρο θάνατο από τη γρίπη σε ηλικία είκοσι οκτώ, τρεις ημέρες αργότερα. μετά το θάνατο της εγκύου συζύγου του, και σε μια εποχή που βρισκόταν στα πρόθυρα της εμπορικής επιτυχίας που του διέφυγε στο μεγαλύτερο μέρος της καριέρας του.

Ο Έγκον ήταν μια βασική φιγούρα στην ανάπτυξη του εξπρεσιονισμού στη ζωγραφική. Έχει γράψει έναν εκπληκτικό αριθμό αυτοπροσωπογραφιών και έχει ολοκληρώσει πάνω από τρεις χιλιάδες σχέδια. Το έργο του έχει συχνά έντονο συναισθηματικό περιεχόμενο εκτός από ειλικρινή εξερεύνηση του ανθρώπινου σώματος. Εργάστηκε μαζί με τον Γκούσταβ Κλιμτ και τον Όσκαρ Κοκόσκα, άλλους βασικούς αυστριακούς καλλιτέχνες της εποχής.

Η σύντομη αλλά γόνιμη καλλιτεχνική καριέρα του Έγκον, το ρητό ερωτικό περιεχόμενο του έργου του και οι κατηγορίες για οικεία παρενόχληση τον έκαναν θέμα πολλών ταινιών, δοκιμίων και χορευτικών παραστάσεων, και το Μουσείο Λεόπολντ στη Βιέννη διαθέτει τη μεγαλύτερη συλλογή έργων του Σίλε: περισσότερα από διακόσια εκθέματα.

4. Μαρκ Σαγκάλ

Τα έργα του Σαγκάλ είναι γεμάτα από την εβραϊκή κληρονομιά του, συχνά συμπεριλαμβάνοντας αναμνήσεις από το σπίτι του στο Βίτεμπσκ της Λευκορωσίας και τον λαϊκό του πολιτισμό. Κατά κανόνα, ο καλλιτέχνης επέστρεφε πάντα σε αυτά τα θέματα. Κάποιοι υποστηρίζουν ότι το ύφος ζωγραφικής του μετά τον πόλεμο ήταν πιο συγκρατημένο, μελαγχολικό, ακόμη και γύρισε πίσω στο χρόνο στον μετα-ιμπρεσιονισμό, αλλά, όπως πάντα, το έργο του ήταν εντελώς μοναδικό, που έγινε με το δικό του ανεπανάληπτο ύφος. Ο Μαρκ έχει συνδυάσει στοιχεία πολλών σχολών σύγχρονης τέχνης καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας του, συμπεριλαμβανομένου του Κυβισμού, του Φοβισμού, του Συμβολισμού, του Σουρεαλισμού, του Ορφισμού και του Φουτουρισμού. Ωστόσο, το έργο του αποκάλυψε βαθύτερα επίπεδα ηχηρής, λυρικής συναισθηματικής αισθητικής, μουσικής και πολιτισμού, μια βαθιά, εσωτερική κατανόηση της εβραϊκής κληρονομιάς.

Το 1985, ο Σαγκάλ πέθανε και θάφτηκε στη Γαλλία. Τη στιγμή του θανάτου του, άφησε πίσω του μια σειρά από εκτεταμένες συλλογές του σε διάφορους τομείς και στυλ τέχνης. Το έργο του Μαρκ καταδεικνύει μια αριστοτεχνική κατανόηση του χρώματος και μια βαθιά συναισθηματική απήχηση, ο οποίος είναι ίσως ο λόγος που το έργο του είναι ακόμα τόσο δημοφιλές σήμερα.

Η συμβολή του στον κόσμο της τέχνης του 20ού αιώνα είναι αυτή που πολύ λίγοι καλλιτέχνες μπορούν να ισχυριστούν.

5. Paul Klee

Ο Πολ ήταν φιλόδοξος και ιδεαλιστής, αλλά διατηρούσε χαμηλό προφίλ και ηρεμία. Πίστευε στη σταδιακή οργανική εξέλιξη των γεγονότων και όχι στην αναγκαστική αλλαγή, και η συστηματική προσέγγισή του στην εργασία απηχούσε αυτή τη μεθοδική προσέγγιση της ζωής.

Mainlyταν κυρίως συντάκτης (άλλωστε αριστερόχειρας). Τα σχέδιά του, μερικές φορές πολύ παιδικά, ήταν πολύ ακριβή και ελεγχόμενα.

Ο Klee ήταν ένας έντονος παρατηρητής της φύσης και των φυσικών στοιχείων, που ήταν μια ανεξάντλητη πηγή έμπνευσης για αυτόν. Συχνά ανάγκαζε τους μαθητές του να παρατηρούν και να σχεδιάζουν κλαδιά δέντρων, το ανθρώπινο κυκλοφορικό σύστημα και ενυδρεία με ψάρια για να μελετήσουν την κίνησή τους.

Μόλις το 1914, όταν ο Παύλος πήγε στην Τυνησία, άρχισε να καταλαβαίνει και να εξερευνά το χρώμα. Επιπλέον, εμπνεύστηκε στις μελέτες χρώματος από τη φιλία του με τον Kandinsky και τα έργα του Γάλλου καλλιτέχνη Robert Delaunay. Ο Paul έμαθε από τον Delone τι χρώμα μπορεί να έχει όταν χρησιμοποιείται με καθαρά αφηρημένο τρόπο, ανεξάρτητα από τον περιγραφικό του ρόλο.

Ο καλλιτέχνης επηρεάστηκε επίσης από τους προκατόχους του, όπως ο Vincent Van Gogh, ο Henri Matisse, ο Picasso, ο Kandinsky, ο Franz Marc και άλλα μέλη της ομάδας Blue Rider, που πίστευαν ότι η τέχνη πρέπει να εκφράζει το πνευματικό και μεταφυσικό και όχι μόνο αυτό που φαίνεται και απτός.

Καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του, η μουσική είχε μεγάλη επιρροή, που εκδηλώθηκε στον οπτικό ρυθμό των εικόνων του και στις στακάτο νότες των χρωματικών του τόνων. Δημιούργησε μια εικόνα πολύ παρόμοια με τον τρόπο που ένας μουσικός παίζει ένα κομμάτι μουσικής, σαν να έκανε τη μουσική ορατή ή την εικαστική τέχνη ακουστή.

Η καλλιτεχνική κληρονομιά του Klee ήταν τεράστια, ακόμα κι αν πολλοί από τους διαδόχους του δεν ανέφεραν ανοιχτά το έργο του ως προφανή πηγή ή επιρροή. Ακόμα και κατά τη διάρκεια της ζωής του Παύλου, οι σουρεαλιστές ανακάλυψαν ότι η φαινομενικά τυχαία αντιπαράθεση κειμένου, αφηρημένων σημείων και αναγωγικών συμβόλων υποδηλώνει πώς το μυαλό σε κατάσταση ύπνου συνδυάζει διαφορετικά αντικείμενα της καθημερινότητας και έτσι δίνει μια νέα κατανόηση του τρόπου με τον οποίο το ασυνείδητο έχει δύναμη ακόμη και πάνω στην πραγματικότητα. του ξυπνηματος …

Η φήμη του καλλιτέχνη αυξήθηκε σημαντικά τη δεκαετία του 1950, όταν, για παράδειγμα, οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές μπορούσαν να δουν το έργο του σε εκθέσεις στη Νέα Υόρκη. Η χρήση σημείων και συμβόλων από τον Παύλο είχε ιδιαίτερο ενδιαφέρον για τους καλλιτέχνες της Σχολής της Νέας Υόρκης, ιδιαίτερα εκείνους που ενδιαφέρονταν για τη μυθολογία, το ασυνείδητο και τον πρωτόγονο (καθώς και την τέχνη της αυτοεκπαίδευσης και την τέχνη των παιδιών). Η χρήση του χρώματος από τον Klee ως εκφραστικό μέσο έκφρασης των ανθρώπινων συναισθημάτων προσέλκυσε επίσης καλλιτέχνες με προτίμηση σε μια πλούσια παλέτα χρωμάτων, όπως ο Jules (Jules) Olitzky και η Helen (Helene) Frankenthaler.

6. Φραντς Μαρκ

Ως ηγετική φιγούρα στο γερμανικό εξπρεσιονιστικό κίνημα, ο Μαρκ βοήθησε στον επαναπροσδιορισμό της φύσης της τέχνης. Το εξπρεσιονιστικό κίνημα ήταν γνωστό για το ενδιαφέρον του για την πνευματικότητα και τον πρωτογονισμό, καθώς και για τη χρήση της αφαίρεσης. Ο Φραντς ενσωμάτωσε την αγάπη του για τη θεολογία και τα ζώα στο έργο του για να δημιουργήσει ένα εναλλακτικό, πιο πνευματικό όραμα για τον κόσμο. Απεικόνισε τον κόσμο μέσα από τα μάτια των ζώων, τα οποία χρησιμοποίησε για να αναδείξει πτυχές της νεωτερικότητας που έβλεπε δυσμενώς. Αλλά τα μεταγενέστερα έργα του πέρασαν επίσης πέρα από τις αναπαραστατικές μορφές σε καθαρή αφαίρεση, ανοίγοντας το δρόμο για την επόμενη γενιά καλλιτεχνών.

Αν και η καριέρα του ήταν σύντομη, οι εκφραστικές γραμμικές του μορφές και η συμβολική χρήση του χρώματος είχαν μόνιμη επιρροή στους κόσμους της αφαίρεσης και του εξπρεσιονισμού. Ωστόσο, καλλιτέχνες όπως ο Τζάκσον Πόλοκ και ο Βίλεμ ντε Κούνινγκ μπορούν να ονομαστούν απόγονοί του. Αυτοί οι καλλιτέχνες εμπνεύστηκαν από την ικανότητα του Mark να προκαλεί συναισθήματα συναισθήματος με το ενδιαφέρον του για το πνευματικό και το πρωτόγονο, καθώς και τη χρήση ζωντανών χρωμάτων. Οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές βασίστηκαν στη συμβολή του Φραντς στη δημιουργία πινάκων που έδωσαν έμφαση σε πιο ελάχιστες, γενικευμένες μορφές, εστιάζοντας κυρίως στη γραμμική έκφραση και το χρώμα.

Αυτές οι νέες προσεγγίσεις στον εξπρεσιονισμό προσπάθησαν να αναδείξουν τους προσωπικούς αγώνες των καλλιτεχνών με τις αλλαγές που έλαβαν χώρα μετά το τέλος του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Μεταγενέστερες γενιές εξπρεσιονιστών, όπως οι ζωγράφοι που έφεραν τον εξπρεσιονισμό στην πιο μινιμαλιστική, απλοϊκή του κατάσταση, μπορούν να θεωρηθούν ως απόγονοι του Μάρκου και των συγχρόνων του. Πράγματι, ο Φραντς Μαρκ, ως ένας από τους θεμελιωτές του γερμανικού εξπρεσιονισμού, συνέβαλε καθοριστικά στον καθορισμό του μοντερνισμού στον 20ό αιώνα και μετά.

7. Βαν Γκογκ

Ενδεικτικά παραδείγματα της ευρείας επιρροής του Βαν Γκογκ μπορείτε να δείτε σε όλη την ιστορία της τέχνης. Οι Fauves και οι Γερμανοί εξπρεσιονιστές δούλεψαν αμέσως μετά τον Βαν Γκογκ και υιοθέτησαν την υποκειμενική και πνευματικά εμπνευσμένη χρήση του χρώματος. Οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές στα μέσα του 20ού αιώνα χρησιμοποίησαν τις σαρωτικές, εκφραστικές πινελιές του Βαν Γκογκ για να δείξουν την ψυχολογική και συναισθηματική κατάσταση του καλλιτέχνη. Ακόμα και οι νεοεκπρεσιονιστές της δεκαετίας του 1980, όπως ο Τζούλιαν Σνάμπελ και ο Έρικ Φισλ, χρωστούν στην εκφραστική παλέτα και βούρτσα του Βαν Γκογκ.

Στη λαϊκή κουλτούρα, η ζωή του έχει εμπνεύσει τη μουσική και πολλές ταινίες, συμπεριλαμβανομένου του Lust for Life του Vincent Minnelli (1956), το οποίο διερευνά την ασταθή σχέση μεταξύ Van Gogh και Gauguin. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Βαν Γκογκ δημιούργησε εννιακόσιους πίνακες και έκανε χίλια εκατό σχέδια και σκίτσα, αλλά κατά τη διάρκεια της καριέρας του πούλησε μόνο έναν πίνακα. Ο καλλιτέχνης δεν είχε δικά του παιδιά και τα περισσότερα έργα του πήγαν στον αδελφό του Theo.

Συνεχίζοντας το θέμα των μεγάλων ζωγράφων, διαβάστε επίσης σχετικά όπου ο σουρεαλιστής Joan Miró έψαχνε για έμπνευση, και ποιος από τους ποιητές και τους καλλιτέχνες είχε την ισχυρότερη επιρροή στο έργο του.