7 αριστουργήματα του Ερμιτάζ που αξίζει να δείτε το 2020

2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02

Οι επιστήμονες έχουν αποδείξει εδώ και καιρό ότι η τέχνη έχει ευεργετική επίδραση στην ανθρώπινη υγεία μειώνοντας το επίπεδο άγχους και άγχους στο σώμα. Αυτό ισχύει ιδιαίτερα για τις καλές τέχνες και την περισυλλογή του ωραίου. Επομένως, για να γεμίσει το 2020 με μια ευνοϊκή κατάσταση σώματος και πνεύματος, αξίζει να επισκεφθείτε το Ερμιτάζ και να δείτε τις πιο διάσημες εκθέσεις του μουσείου.

«Απόστολοι Πέτρος και Παύλος» του Ελ Γκρέκο

Ο El Greco είναι ένας από τους πιο λαμπρούς και πρωτότυπους καλλιτέχνες. Έλληνας καταγωγής, σπούδασε ζωγραφική στην Ιταλία στο εργαστήριο του μεγάλου Τιτσιάνο. Έμαθε την τεχνική του λαδιού από το είδωλό του και επίσης εμπνεύστηκε από τις καλλιτεχνικές τεχνικές του Ιταλικού Μανιερισμού. Ο El Greco ξεχώρισε μεταξύ των συναδέλφων του για την πρωτοτυπία του δραματικά εκφραστικού στυλ. Στα πορτρέτα του, έδωσε μεγάλη προσοχή στον ψυχολογικό χαρακτηρισμό. Σε αυτόν τον πίνακα από το Ερμιτάζ, ο καλλιτέχνης αντιπροσωπεύει δύο διαφορετικούς τύπους ανθρώπων. Αριστερά ο Απόστολος Πέτρος, ο οποίος αρνήθηκε τρεις φορές την ύπαρξη του Χριστού. Το πρόσωπό του μεταφέρει θλίψη και αβεβαιότητα, ενώ οι χειρονομίες του είναι χρωματισμένες με μετάνοια και ικεσία. Ο Απόστολος Παύλος, ο οποίος, όπως γνωρίζετε, ήταν αρχικά ένας ζηλωτής διώκτης των Χριστιανών, στην εικόνα φαίνεται πνευματική ζέση στην επιβεβαίωση της αλήθειας. Οι χειρονομίες που αποτελούν το κέντρο σύνθεσης του έργου εκφράζουν έναν διάλογο που ενώνει τους δύο αποστόλους.

Ο γκριζομάλλης Πέτρος, τυλιγμένος σε μια χρυσή ρόμπα, έγειρε το κεφάλι του στο πλάι. Στο αριστερό του χέρι κρατά το σύμβολό του - το κλειδί για τη Βασιλεία των Ουρανών. Ο Πάβελ πιέζει σταθερά το αριστερό του χέρι στην ανοιχτή ένταση στο τραπέζι, το δεξί του χέρι σηκώνεται σε μια κίνηση διευκρίνισης όταν κοιτάζει απευθείας τον θεατή. Ο Άγιος Πέτρος και ο Άγιος Παύλος εμφανίζονται πολλές φορές στο έργο του Ελ Γκρέκο και απεικονίζονται με εντυπωσιακή συνέπεια. Ο καλλιτέχνης δείχνει πάντα την Πέτρα με γκρίζα μαλλιά και γένια, και φοράει συχνά μια κίτρινη ρόμπα πάνω από ένα μπλε χιτώνα. Ο Πωλ είναι πάντα ελαφρώς φαλακρός, με σκούρα μαλλιά και γένια, με κόκκινη ρόμπα πάνω από μπλε ή πράσινα ρούχα.

«Μετανοούμενη Μαρία Μαγδαληνή» του Τιτσιάνο

Η μετανοημένη Μαρία Μαγδαληνή είναι ένα πορτρέτο της Αγίας Μαρίας Μαγδαληνής Τιτιανής από το 1531 περίπου, με την υπογραφή «TITIANUS» στο σκάφος στα αριστερά. Σύμφωνα με την πλοκή, πρόκειται για μια γυναίκα με διαλυμένο παρελθόν, η οποία, σύμφωνα με το Ευαγγέλιο (Λουκάς 7, 36-50), ήρθε στο σπίτι του Σίμωνα του Φαρισαίου για να ζητήσει συγχώρεση από τον Ιησού. Είναι μια γυναικεία φιγούρα που απεικονίζεται από τον Τιτσιάνο με χοντρές, συγκεντρωμένες πινελιές και ζεστούς τόνους. Η παλέτα αναδεικνύει απίστευτα μάτια μουσκεμένα σε κρυστάλλινα δάκρυα. Τα χάλκινα ξανθά μαλλιά που καλύπτουν τη φιγούρα είναι καταπληκτικά γραμμένα. Το θέμα της μετανοημένης Μαρίας Μαγδαληνής, σηκώνοντας τα μάτια της στον ουρανό, κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα στην Ιταλία τον 16ο αιώνα μεταξύ αριστοκρατών, θρησκευτικών ηγετών και πλούσιων μεσαίων τάξεων. Η έλλειψη ρούχων συμβολίζει την άρνηση της Μαγδαληνής από κοσμήματα, χρυσό και κοσμικά χόμπι για χάρη της πίστης στον Χριστό. Επιπλέον, τα χρυσά μαλλιά και η συνολική φιγούρα της Μαγδαληνής πληρούν τα πρότυπα της ομορφιάς της Αναγέννησης.

"Madonna Litta" του Leonardo da Vinci

Ο πίνακας πήρε το όνομά του από την οικογένεια ευγενών του Μιλάνου, στη συλλογή της οποίας βρέθηκε στο μεγαλύτερο μέρος του 19ου αιώνα. Το 1865, ο Ρώσος τσάρος Αλέξανδρος Β purchased αγόρασε τον καμβά για το Ερμιτάζ, όπου εκτίθεται μέχρι σήμερα. Αυτό το έργο απεικονίζει τη Μαντόνα που θηλάζει το παιδί του Χριστού. Σημειώστε την απουσία φαντασμάτων σε αυτήν την εικόνα. Πολλοί καμβάδες του Λεονάρντο αποδεικνύουν το ίδιο χαρακτηριστικό. Οι φιγούρες τοποθετούνται σε ένα σκοτεινό εσωτερικό με δύο τοξωτά ανοίγματα που δείχνουν θέα στο ορεινό τοπίο. Μια ενδιαφέρουσα λεπτομέρεια: στο κέντρο της εικόνας, στο αριστερό χέρι του Χριστού, υπάρχει μια καρδερίνα, η οποία είναι σύμβολο του πάθους του Χριστού.

Η αίσθηση της χαράς της μητρότητας στον πίνακα "Madonna Litta" απεικονίζεται ιδιαίτερα ευχάριστα χάρη στον πλούτο της ίδιας της εικόνας της Μαρίας - εδώ βρήκε την ώριμη έκφραση της γυναικείας ομορφιάς του Λεονάρντο. Το απαλό, όμορφο πρόσωπο της Madonna δίνει μια ιδιαίτερη πνευματικότητα στα μισόκλειστα μάτια και ένα ελαφρύ χαμόγελο. Η σύνθεση του πίνακα είναι εντυπωσιακή με την εντυπωσιακή σαφήνεια και τελειότητα. Η Μαντόνα και το παιδί ήταν ένα κοινό μοτίβο στη χριστιανική τέχνη κατά τον Μεσαίωνα και συνεχίστηκε μέχρι την Αναγέννηση.

"Λαούτο" Καραβάτζιο

Ο πίνακας παραγγέλθηκε από τον καρδινάλιο Francesco del Monte, ο οποίος προστάτευσε τον καλλιτέχνη. Ο Καραβάτζιο απεικόνιζε έναν νεαρό άντρα γοητευμένο από τη μουσική: το βλέμμα του είναι γεμάτο έμπνευση, τα δάχτυλά του κολλάνε στις χορδές. Η φιγούρα ενός νεαρού άνδρα με λευκό πουκάμισο ξεχωρίζει σαφώς σε σκούρο φόντο. Ο σκληρός πλευρικός φωτισμός και οι σκιές που πέφτουν δίνουν στα αντικείμενα έναν σχεδόν αισθητό όγκο και βάρος. Τα αντικείμενα που τοποθετούνται στην εικόνα μαρτυρούν τη μεγάλη αγάπη του καλλιτέχνη για τον κόσμο γύρω του, την επιθυμία του να αναπαράγει αληθινά τη φύση, να μεταφέρει την υλική ποιότητα κάθε λεπτομέρειας. Στο σημειωματάριο που βρίσκεται μπροστά στον ήρωα με λαούτο, γράφονται οι εναρκτήριες νότες του δημοφιλούς μαδριγάλου του 16ου αιώνα "Ξέρεις ότι σ 'αγαπώ".

Η αγάπη ως θέμα αυτού του έργου υποδεικνύεται επίσης από άλλα αντικείμενα. Για παράδειγμα, το ραγισμένο λαούτο ήταν μια μεταφορά για την αγάπη που αποτυγχάνει. Στην αυγή της δημιουργικότητας, ο Καραβάτζιο έδινε συχνά στους νέους θηλυκά χαρακτηριστικά, τα οποία, ωστόσο, ήταν χαρακτηριστικά της ιταλικής τέχνης στα τέλη του 16ου αιώνα. Είναι ενδιαφέρον ότι ο μουσικός από τον πίνακα από το Ερμιτάζ συγχέεται συχνά με ένα κορίτσι και η σύνθεση ονομάζεται "The Lute Player".

"Η κυρία με τα μπλε" Thomas Gainsborough

Ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη - "Η κυρία με τα μπλε" - δημιουργήθηκε από τον Gainsborough στην ακμή των δημιουργικών του δυνάμεων. Η φιγούρα μιας νεαρής γυναίκας με ανοιχτό φόρεμα από διαφανές λευκό ύφασμα ξεχωρίζει απαλά σε σκούρο φόντο. Τα πουδρένια μαλλιά της είναι διακοσμημένα σε ένα ιδιόμορφο χτένισμα. Μεγάλες μπούκλες πέφτουν πάνω από τους κεκλιμένους ώμους. Η φρεσκάδα του νεανικού προσώπου τονίζεται από μισάνοιχτα χείλη και σκούρα μάτια σε σχήμα αμυγδάλου. Με μια ελαφριά κίνηση του δεξιού της χεριού, κρατά το μπλε μεταξωτό μαντήλι. Γκρι, μπλε, ροζ και λευκοί τόνοι εδώ και εκεί ενισχύονται με έντονες πινελιές και βοηθούν να μεταφερθεί η κομψότητα και η ομορφιά του μοντέλου.

Η τόλμη των εικαστικών τεχνικών του Gainsborough καταπλήσσει τους συγχρόνους του. Έτσι, ο Reynolds σημείωσε "περίεργα σημεία και χαρακτηριστικά" στους πίνακες του Gainsborough, "τα οποία φαίνεται πιο πιθανό να είναι αποτέλεσμα τύχης παρά συνειδητή πρόθεση". Αυτή η μη ακαδημαϊκή παράδοση είναι ένα από τα μεγαλύτερα επιτεύγματα του Gainsborough. "Η κυρία με τα μπλε" μπήκε στο Ερμιτάζ το 1916 από τη συλλογή του Α. 3. Χιτρόβο κατά βούληση.

Η επιστροφή του άσωτου γιου του Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Αυτό το αριστούργημα της βιβλικής τέχνης επιβεβαιώνει για άλλη μια φορά την ιδιότητα του Ρέμπραντ ως ένας από τους καλύτερους ζωγράφους όλων των εποχών και τον μεγαλύτερο από όλους τους Παλαιούς Δασκάλους στην απεικόνιση σκηνών της Βίβλου. Ο πίνακας Η επιστροφή του άσωτου γιου, που ολοκληρώθηκε από τον καλλιτέχνη τα τελευταία χρόνια της ζωής του, απεικονίζει μια σκηνή από την παραβολή του Λουκά 15: 11–32. Σύμφωνα με τον εξαιρετικό κριτικό τέχνης Kenneth Clarke, ο καμβάς είναι ένας από τους μεγαλύτερους πίνακες όλων των εποχών. Σύμφωνα με την πλοκή, ο πατέρας, όπως και ο πατριάρχης, βάζει τα χέρια του στους ώμους ενός ξυρισμένου μετανοημένου και ντυμένου με φθαρμένα ρούχα. Τα μάτια του είναι σχεδόν κλειστά. Η πράξη της συγχώρεσης γίνεται ευλογία ενός σχεδόν μυστηριακού μυστηρίου.

Αυτή είναι μια εικόνα με τη μέγιστη πνευματικότητα, απαλλαγμένη από όλες τις ανέκδοτες πτυχές, στην οποία όλες οι κινήσεις και οι ενέργειες έχουν σταματήσει. Η σκηνή βυθίζεται στο σκοτάδι, σαν ένα τούνελ, από το οποίο τα πρόσωπα του πατέρα και του μεγαλύτερου γιου του λάμπουν χλωμά. Οι κόκκινες ρόμπες τους δίνουν λάμψη σε αυτό το σκοτάδι. Ο Ρέμπραντ έχει ζωγραφίσει επανειλημμένα με θέμα τον άσωτο γιο, αλλά σε αυτή τη μνημειώδη εκδοχή λαδιού έφτασε στο πιο συναρπαστικό του και - χάρη στην αντίθεση του μεγαλύτερου και του νεότερου (άσωτου) γιου - την πιο δύσκολη ψυχολογικά διατύπωση.

«Χορός» του Ανρί Ματίς

Το "Dance" είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του Henri Matisse - μια ωδή στη ζωή, τη χαρά, τη φυσική απόρριψη και ένα σύμβολο της σύγχρονης τέχνης. Το κομμάτι παραγγέλθηκε από τον επιβλητικό Ρώσο συλλέκτη Σεργκέι Στσούκιν το 1909 για να διακοσμήσει την έπαυλή του. Χαρακτηρισμένος από την απλότητα και την ενέργειά του, αυτός ο καλλιτεχνικός οργίος άφησε ανεξίτηλο το στίγμα του στην τέχνη του 20ού αιώνα. Ο χορός γράφτηκε στο ύψος της Φοβιστικής αισθητικής και ενσαρκώνει τη χειραφέτηση των παραδοσιακών δυτικών καλλιτεχνικών παραδόσεων. Η αισθητική επιλογή του Henri Matisse για αυτόν τον πίνακα προκάλεσε ένα πραγματικό σκάνδαλο στα σαλόνια τέχνης το 1910. Το τολμηρό γυμνό και οι τραχιές αποχρώσεις έδωσαν στην εικόνα έναν εξαιρετικό χαρακτήρα για εκείνη την εποχή, ο οποίος στα μάτια ορισμένων θεατών φαινόταν βάρβαρος.

Ο Ματίς χρησιμοποίησε μόνο τρία χρώματα για να απεικονίσει αυτόν τον χορό: μπλε, πράσινο και κόκκινο. Σύμφωνα με τους παραδοσιακούς συνδυασμούς χρωμάτων Fauvist, αυτές οι τρεις αποχρώσεις δημιουργούν έντονη αντίθεση. Ωστόσο, ο στόχος του Matisse δεν ήταν να συγκλονίσει το κοινό. Αντίθετα, επιδίωκε να ενώσει τους ανθρώπους μεταξύ τους και με τη φύση. Όπως είπε ο καλλιτέχνης, "Αυτό που ονειρεύομαι είναι μια ισορροπημένη, καθαρή και ήρεμη τέχνη που μπορεί να αποφύγει προβλήματα ή απογοήτευση".