Οι πιο εξωφρενικές παραστάσεις: Παίζοντας ένα φλεγόμενο όργανο, διάλογος με έναν λαγό και άλλα

2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02

Είναι πιθανό να μην υπάρχουν υπερβολικές παραστάσεις, επειδή η ίδια η ιδέα αυτού του είδους της τέχνης είναι να παραβιάζει το πλαίσιο - τον εικονογραφικό χώρο της εικόνας, το προσωπικό περίγραμμα ενός ατόμου και, τελικά, να βρει όριο ορθολογισμού. Πιθανότατα, σε θεατές που δεν είναι εξοικειωμένοι με την πρωτοποριακή και εννοιολογική τέχνη, πολλές από αυτές τις παραστάσεις θα φαίνονται υπερβολικά εξωτικές, αλλά δεν μπορούν να αφαιρεθούν από αυτές τις παραστάσεις, τραβούν πάντα την προσοχή και τους κάνουν να ενσαρκώνουν, κάτι που, τελικά, είναι ο στόχος κάθε δημιουργικότητας.

Συναυλία "με μια λάμψη"

Τον Ιούλιο του 2019, πραγματοποιήθηκε μια εξαιρετική παράσταση στις ακτές του Κόλπου της Φινλανδίας: ένας τυφλός μουσικός ερμήνευσε ένα έργο του Μαξ Ρίχτερ σε ένα φλεγόμενο πιάνο. Η Ντανίλα Μπολσάκοφ διευθύνει την ορχήστρα τυφλών μουσικών για αρκετά χρόνια και το βίντεο που ηχογραφήθηκε σε μια τέτοια ασυνήθιστη συναυλία υποτίθεται ότι ήταν το πρώτο βίντεο στο νέο του κανάλι στο YouTube. Ο ίδιος ο μουσικός εξήγησε το νόημα της παράστασης ως εξής:. Όταν ρωτήθηκε πώς πήγε η παράσταση, απάντησε σύντομα:

Παρ 'όλη την εκκεντρικότητα, αυτή η ιδέα απέχει πολύ από τις παραστάσεις που έχουν γίνει κλασικά της πρωτοποριακής τέχνης σήμερα. Οι παραστάσεις από τους φωτιστικούς φαίνονται πολύ πιο εξελιγμένες.

Φροντίζοντας τη φύση

Ο Γερμανός καλλιτέχνης Joseph Beuys, ένας από τους κύριους θεωρητικούς του μεταμοντερνισμού, συγκλόνισε το κοινό στα μέσα του 20ού αιώνα με τον περίπλοκο συμβολισμό των έργων του. Το κύριο θέμα της δουλειάς του ήταν η σχέση μεταξύ του ανθρώπου της τεχνολογικής εποχής και της φύσης που πεθαίνει. Για παράδειγμα, κατά τη διάρκεια μιας παράστασης σε μια γκαλερί τέχνης το 1965, ο καλλιτέχνης κάλυψε το κεφάλι του με μέλι και χρυσό φύλλο και εξήγησε σε έναν νεκρό λαγό την έννοια ορισμένων σύγχρονων πινάκων.

Και το 1974 ο Μπόις πέταξε στη Νέα Υόρκη για να πραγματοποιήσει τις πιο διάσημες από τις "ενέργειές" του (αν και η λέξη "τρέλα" θα ήταν πιο χρήσιμη εδώ από ποτέ). Για τρεις ημέρες, ο μεταμοντέρνος κύριος ζούσε σε πλήρη απομόνωση στο ίδιο δωμάτιο με ένα άγριο κογιότ, τυλιγμένο σε μια κουβέρτα από τσόχα. Το ζώο έδειξε μέτριο ενδιαφέρον για αυτόν, ειδικά όταν ο καλλιτέχνης προσπάθησε να του δείξει μερικές συμβολικές φιγούρες (για παράδειγμα, ένα τρίγωνο). Στο τέλος του καθορισμένου χρόνου, ο Μπόις αγκάλιασε το κογιότ και πέταξε για το σπίτι του. Σε όλη τη διαδρομή μεταξύ του αεροδρομίου και του δωματίου, το έκανε σε φορείο και σε αυτοκίνητο ασθενοφόρου, έτσι ώστε το πόδι του να μην αγγίζει το αμερικανικό έδαφος: - ο καλλιτέχνης εξήγησε τότε αυτήν την πρωτοτυπία. Αυτή η δράση είναι η πιο εντυπωσιακή στη δουλειά του και ονομάζεται "Μου αρέσει η Αμερική και η Αμερική με αγαπά".

Κόψτε την περίσσεια από τη φίλη του Τζον Λένον

Σε αντίθεση με τη στατική τέχνη, η απόδοση είναι μια μικρή παράσταση, συχνά διαδραστική. Υποδηλώνει μια συγκεκριμένη διαδικασία, τα αποτελέσματα της οποίας είναι δύσκολο να προγραμματιστούν αμέσως. Έτσι, η Yoko Ono εξερεύνησε τα βάθη του ανθρώπινου υποσυνείδητου, δημιουργώντας ταυτόχρονα τους κανόνες της εννοιολογικής τέχνης. Πώς να εκφράσετε μια σκέψη χωρίς να την βάλετε σε φυσική μορφή; Εάν είστε πολύ θυμωμένοι με την ανθρωπότητα, μπορείτε, για παράδειγμα, να δώσετε σε ένα άτομο ελευθερία, δείχνοντας έτσι τους περιορισμούς του. Στην περίφημη παράστασή της "Cut a Piece", η καλλιτέχνης ανέβηκε στη σκηνή με το καλύτερο φόρεμά της και κάλεσε το κοινό να έρθει κοντά της ένα προς ένα για να κόψει ένα κομμάτι από τα ρούχα της. Η Yoko πραγματοποίησε μια τέτοια ενέργεια αρκετές φορές - στη δεκαετία του 1960, σε διαφορετικές χώρες, προκάλεσε μια διφορούμενη αντίδραση από τους θεατές, από καλοπροαίρετη έως επιθετική. Το 2003, η Yoko Ono επανέλαβε αυτήν την παράσταση στο Παρίσι ως κάλεσμα για ειρήνη, τιμώντας τα γεγονότα της 11ης Σεπτεμβρίου 2001. Σε μια συνέντευξη, η ηλικιωμένη καλλιτέχνης εξήγησε την απόδοσή της ως εξής:

Το βαρύ φορτίο της τέχνης

Ένα παρόμοιο θέμα αναπτύχθηκε στο έργο της από μια γυναίκα που, για την πολυετή πίστη της στις αρχές της στην τέχνη, ονομάστηκε "γιαγιά της παράστασης". Η Σέρβα καλλιτέχνιδα Μαρίνα Αμπράμοβιτς έκανε σχεδόν πάντα συμμετέχοντες στη δράση παρατηρητές, εστιάζοντας στην «αντιμετώπιση του πόνου, του αίματος και των φυσικών ορίων του σώματος». Για παράδειγμα, το 2010 η Μαρίνα έκανε μια παράσταση 3 μηνών. Για 7-10 ώρες την ημέρα, μια γυναίκα καθόταν απόλυτα ακίνητη σε ένα τραπέζι σε μια τεράστια αίθουσα και επέτρεπε σε όλους όσους ήθελαν να καθίσουν απέναντι και να την κοιτάξουν. Μια τέτοια ασυνήθιστη «έκθεση» προσέλκυσε πλήθος κόσμου στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Μανχάταν. Μεταξύ των συμμετεχόντων που «έπαιξαν στα γυαλιά» ήταν διάσημοι: ο Μάθιου Μπάρνι, ο Μπιόρκ και η Λαίδη Γκάγκα.

Ωστόσο, η πιο διάσημη δράση της Μαρίνας ήταν το "Rhythm 0". Το 1974, η Αμπράμοβιτς τοποθέτησε 72 αντικείμενα στο τραπέζι που οι άνθρωποι μπορούσαν να χρησιμοποιήσουν με οποιονδήποτε τρόπο και τους παρείχε το παθητικό της σώμα για κάθε ενέργεια. Αυτό αποδείχθηκε το πιο δύσκολο τεστ για τον πρωτοποριακό καλλιτέχνη:

Διαβάστε για το πώς ο Σέρβος καλλιτέχνης συνεχίζει να σοκάρει το κοινό στην κριτική: Η ζωή και ο θάνατος της Μαρίνας Αμπράμοβιτς - μια νέα παράσταση στο παλιό θέατρο.