Το θέμα του άσωτου γιου στους πίνακες του Ρέμπραντ: η μεγαλύτερη εξέλιξη της ζωής και του έργου του πλοιάρχου

2024 Συγγραφέας: Richard Flannagan | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-16 00:02

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn ήταν ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης όχι μόνο της Ολλανδικής Χρυσής Εποχής, αλλά όλης της παγκόσμιας τέχνης. Γνωστός ως "ζωγράφος του φωτός", ο Ρέμπραντ χρησιμοποίησε τις αξεπέραστες τεχνικές του ικανότητες, τη γνώση της ανθρώπινης ανατομίας και της πίστης για να εκφράσει βαθιά συναισθήματα και διαχρονικές αλήθειες. Η βιβλική πλοκή του άσωτου γιου απαιτεί ιδιαίτερη προσοχή, η οποία αντικατοπτρίζει τις προσωπικές και δημιουργικές μεταμορφώσεις του καλλιτέχνη.

Βιογραφία

Γεννημένος σε οικογένεια μυλωνάτων της μεσαίας τάξης το 1606, ο Ρέμπραντ Χάρμεντσον βαν Ράιν, όπως και πολλοί άλλοι εκείνη την εποχή, άφησε το σπίτι του πατέρα του και ταξίδεψε στη μεγάλη πόλη (Άμστερνταμ) για να πετύχει. Το ταλέντο και οι ικανότητές του τον έχουν εξυπηρετήσει καλά. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε εκπληκτικά ρεαλιστικά πορτρέτα πλούσιων εμπόρων, ναυπηγών, ντόπιων πολιτικών και των οικογενειών τους. Ο Ρέμπραντ εξασφάλισε μια εξαιρετική φήμη και σημαντικό εισόδημα στα πρώτα χρόνια της καριέρας του.

Εκείνη την εποχή, τα βιβλικά θέματα θεωρούνταν σχετικά με την υψηλή τέχνη, αλλά το πιο σημαντικό για τον Ρέμπραντ, η Αγία Γραφή έγινε για τον κύριο ένα εργαλείο κατανόησης και στοχασμού του ανθρώπινου πνεύματος. Η παραβολή του Χριστού για τον άσωτο γιο είναι μια ιστορία από το Ευαγγέλιο του Λουκά 15:13: "Μετά από λίγες μέρες, ο μικρότερος γιος, αφού τα μάζεψε όλα, πήγε σε μια μακρινή χώρα και εκεί σπατάλησε τα υπάρχοντά του, ζώντας απολυταρχικά". Η πλοκή ενέπνευσε συχνά τον καλλιτέχνη καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του, ειδικά σε δύο πίνακες - "Ο άσωτος γιος σε μια ταβέρνα" (1637) και "Η επιστροφή του άσωτου γιου" (1669). Δύο πίνακες ζωγραφικής - δύο αφετηρίες στη βιογραφία - δύο εξελίξεις στο έργο και τη ζωή του ίδιου του δασκάλου.

Ο άσωτος γιος στην ταβέρνα

Το πρώτο έργο "Άσωτος γιος σε μια ταβέρνα" αντικατοπτρίζει την πιο ευτυχισμένη περίοδο στη ζωή του καλλιτέχνη. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1637, όταν ο Ρέμπραντ ήταν 31 ετών, μόλις παντρεύτηκε μια όμορφη, πλούσια νεαρή γυναίκα - τη Σάσκια. Η αριστερή πλευρά του καμβά υποτίθεται ότι ήταν χαραγμένη από τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Υπήρχαν εικονιζόμενοι μικροί χαρακτήρες και ο Ρέμπραντ ήθελε να εστιάσει την προσοχή του παρατηρητή στο κύριο θέμα. Εκτίθεται στη γκαλερί της Δρέσδης (Γερμανία).

Ο Ρέμπραντ παρουσιάστηκε σε αυτοπροσωπογραφία ως γλύπτης και αγαπημένος της μοίρας εν μέσω της δημιουργικής του φήμης, της προσωπικής ευτυχίας και των ανείπωτων απολαύσεων, με ένα ποτήρι στο χέρι και με την αγαπημένη του γυναίκα. Παρεμπιπτόντως, η ηρωίδα - η γυναίκα του Ρέμπραντ - Σάσκια. Η ευημερία του Ρέμπραντ, όπως η ταραχώδης εικόνα του άσωτου γιου από τη Βίβλο, δεν κράτησε πολύ. Ο καλλιτέχνης έζησε πλούσια και χλιδάτα, υποθέτοντας ότι οι καλές εποχές θα κρατούσαν για πάντα. Όμως έκανε λάθος. Μέχρι να ξεκινήσουν οι εργασίες για την επιστροφή του άσωτου γιου, ο Ρέμπραντ είχε πτωχεύσει. Η αγαπημένη του γυναίκα πέθανε, η πρώην δημοτικότητα εξαφανίστηκε και ο καλλιτέχνης ξεπεράστηκε από τη φτώχεια. Μια σημαντική συμβολική λεπτομέρεια είναι μια πλάκα στον τοίχο, υποδεικνύοντας ότι αργά ή γρήγορα θα πρέπει να πληρώσετε για τα πάντα. Αυτό είναι μια μικρή υπόδειξη από τον καλλιτέχνη στο κοινό, υπενθυμίζοντας ότι αυτή η ιστορία έχει συνέχεια.

Το φινάλε της παραβολής του Ρέμπραντ είναι η δεύτερη έκδοση, γραμμένη το 1669. Και σε αυτήν είναι μάλλον δύσκολο να αναγνωρίσει ένα χλωμό, αδυνατισμένο, σωματικά και ηθικά σπασμένο άτομο που επιστρέφει στον πατέρα του. Το άφησε στα νιάτα του, όντας τζογαδόρος, ένας απερίσκεπτος αναζητητής ευχαρίστησης που σπατάλησε το μερίδιό του από την κληρονομιά μέχρι το τελευταίο φλουρί. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε αυτό το έργο λίγους μήνες πριν από το θάνατό του.

Η επιστροφή του άσωτου γιου

Ο τελευταίος μεγάλος πίνακας του Ρέμπραντ, Η επιστροφή του άσωτου γιου, ζωγραφίστηκε το 1669. Τώρα εκτίθεται στο Ερμιτάζ. Είναι μια μνημειώδης επίδειξη συντριπτικής αγάπης και συγχώρεσης. Οι χαρακτήρες απεικονίζονται σε πλήρες μέγεθος. Αν κοιτάξετε την εικόνα, που στέκεται μπροστά της, μπορείτε πραγματικά να νιώσετε πώς η απαλή αγκαλιά του πατέρα αγκαλιάζει τον θεατή. Από ένα σκόπιμα σκοτεινό φόντο με πλούσια καφέ και βελούδινα μαύρα, αναδύονται τρεις φιγούρες, λουσμένες στο φως. Η τηλεφωνική κάρτα του Ρέμπραντ είναι ένα άγνωστο φως που πηγάζει από τα βάθη. Ένα τόξο φωτός εκτείνεται από τα πόδια του άσωτου γιου μέσα από τα ρούχα του και το ξυρισμένο, σκυμμένο κεφάλι, στην αγκαλιά του πατέρα του, φωτίζοντας τα τυφλά του μάτια στο φινάλε. Το επόμενο σημείο φωτός είναι το πρόσωπο του μεγαλύτερου γιου, ο οποίος παρέμεινε με τον πατέρα του - αυτό είναι ένα πρωτότυπο συνείδησης.

Το πιο σημαντικό πράγμα εδώ είναι τα πόδια του άσωτου γιου. Είναι πληγωμένοι, γυμνοί, ντυμένοι με τα ίδια ξεφτισμένα παπούτσια και λένε μια ολόκληρη ιστορία (γλέντι - λάθη - αποτυχία - ήττα - τύψεις). Το μόνο που του έχει απομείνει είναι ένα στιλέτο στη ζώνη του (πιθανότατα δώρο από τον πατέρα του, το οποίο δεν θα πουλούσε ποτέ). Ο γιος στηρίζεται στο στήθος του πατέρα του και εκεί βρίσκει έλεος, αποδοχή, συγχώρεση και αγάπη. Το κεφάλι του είναι ξυρισμένο - αυτό είναι μια ένδειξη ότι έχει βυθιστεί στο κάτω μέρος. Ταν φυλακισμένος. Η απαλότητα του κόκκινου φορέματος του πατέρα και η απαλότητα της αγκαλιάς του είναι πολύ αισθητές. Το ίδιο κόκκινο χρώμα αντηχεί στα ρούχα του μεγαλύτερου αδελφού, συνδέοντας τον πατέρα και τον μεγαλύτερο γιο του. Αλλά αντί για αγάπη, το πρόσωπο του μεγαλύτερου αδελφού είναι γεμάτο περιφρόνηση και καταδίκη. Στέκεται στην άκρη, σκληρός και ακίνητος. Τι συνέβη στον κεντρικό χαρακτήρα; Με την αυτοπεποίθησή του και τα υπέροχα ακριβά ρούχα του; Ό, τι ήταν μάταιο γλίστρησε από πάνω του σαν φλούδες. Με κόστος ταλαιπωρίας και απώλειας … η αλήθεια τον ξημέρωσε.

Στην Ολλανδία, μια προτεσταντική χώρα, όπου οι εκκλησίες δεν είχαν ζωγραφισμένους βωμούς και σπάνια ζωγραφίζονταν μεγάλοι πίνακες με θρησκευτικά θέματα, ο Ρέμπραντ δημιούργησε οικειοθελώς ένα μνημειώδες αριστούργημα στο οποίο η τεχνική της ζωγραφικής απέκτησε πνευματικό χαρακτήρα. Ο καλλιτέχνης, στο θέμα του άσωτου γιου, αποκάλυψε την εξέλιξη της ζωής και του έργου του. Κυριολεκτικά έβαλε τον εαυτό του μπροστά στην Τελευταία Κρίση. Μπορεί κανείς να συμφωνήσει απολύτως με μια σειρά κριτικών που χαρακτήρισαν «Η επιστροφή του άσωτου γιου» τον μεγαλύτερο πίνακα όλων των εποχών.